RUBEN BAUTISTA (says...)

Entro

2010-10-29T05:17:00.001-07:00

¿Cómo se aborda semejante tarea? ¿Cómo se ejecuta una nueva versión de una pieza de orfebrería tan sobria y especial?

Matt Reeves, director de la notable “Monstruoso”, lo ha tenido claro. Para llevar a cabo la revisión de la novela “Déjame entrar” (llevada al cine por Thomas Alfredson en 2008) se ha rodeado de un equipo técnico de altura y ha insuflado un pulso narrativo que dista bastante de la frialdad de su predecesora. La gelidez de la original, es aquí sustituida por tonos cálidos, casi tanto como lo son sus personajes, con respecto a la cinta sueca. Y esto, es obviamente, una cuestión geográfica. Por más hermético que pueda ser Nuevo México, no lo será tanto como Suecia, y sus habitantes tampoco. Nos encontramos pues ante un híbrido americanizado en el más estricto sentido de la palabra, y no en el que la gran masa suele utilizar. No hay tiempos muertos en esta “Déjame entrar”, ni contemplaciones. Los planos generales, distantes y algo asépticos de la original, son aquí sustituidos por otros un tanto más efectistas pero igualmente eficaces. De esta forma, la cinta gana en visceralidad, e incluso sexualidad, un aspecto más desarrollado en esta nueva versión. Aquí, el joven Owen espía a sus vecinos al más puro estilo “ventana indiscreta”, sueña con tocar los pechos de la chica de enfrente (un recurso de personaje secundario aparentemente fácil, pero muy bien desarrollado) y en definitiva, el despertar sexual es mucho más explícito.

Además, el guión adaptado de Reeves, aporta más información respecto al pasado de Abby (la niña vampiro), así como al posible futuro de Owen.

Por su parte, la puesta en escena, que rompe continuamente la profundidad de campo y nos aporta primerisimos planos de sus protagonistas en contraste con los generales del lugar, dotan a la cinta de la cercanía ya mencionada, así como de un “alma” especial. Harina de otro costal es el uso de los efectos digitales, de los cuales se podrían haber prescindido perfectamente, aunque tampoco se cae en un abuso. Asímismo, la banda sonora nos sumerge en un universo mucho más terrorífico de lo esperado, lo que hace que la visión de Reeves se decante de nuevo por lo cruento en detrimento de lo lírico, como ocurría con Alfredson.

“Déjame entrar”, es probablemente, un remake innecesario, pero tiene apuntes realmente interesantes que lo convierten en probablemente uno de los mejores que yo haya visto. Ambientación ochentena, algo de trasfondo político y religioso, son las bazas de esta propuesta, que no se conforma con la fotocopia y nos ofrece un bonito marco del despertar sexual y amoroso de un joven que aprende a ser fuerte a base de golpes y mordiscos.

El demonio me "toma" de los pelos

2010-10-29T04:21:00.000-07:00

En su momento, fui el primer defensor de “Paranormal activity”, un film que crea suspense de la nada, apelando básicamente a la sugestión y dosificación de los golpes de impacto. En él, se lograba un ritmo creciente que repartía la tensión de forma inteligente, y aún ante las incoherencias de cuando usar o no usar la cámara, y lo insoportable de su personaje protagonista masculino, era digna de admiración, precisamente por su sencillez.

En esta segunda parte, se prescinde del director original, Oren Peli, por Tod Williams, y el resultado, a mi entender es menos fresco y mucho más artificioso. Obviando, la ciertamente original, premisa, “Paranormal activity 2” tarda muchísimo más en empezar que su predecesora, y sus sustos (salvo un par muy bien realizados), no son más que una ampliación de lo mostrado en la primera parte. Tan solo en su último tramo (unos 20 minutos finales), la película remonta el vuelo pero nunca logra desde mi punto de vista alcanzar la frescura de la original. El uso de la multicámara, por su parte, es un gran acierto, pero las situaciones que se desencadenan a lo largo de la cinta resultan un tanto inverosímiles, y el discurso queda demasiado lastrado por la necesidad de enebrar la trama con la anterior cinta y por la repetición esquemática de los sustos de aquella. Yo, al menos, en ningún momento me creí que esto fuera real, aunque pensándolo bien, tampoco lo esperaba. Mejor dicho, en todo momento sentí que era mentira.

El apocalipsis social, por David Fincher

2010-10-20T05:48:00.001-07:00

Pocas cosas estoy leyendo acerca de la última y brillante maravilla de David Fincher (más contenido que nunca) por estos lares. Y es que, “La red social”, no es de facil digestión. Lo que en otras manos podría haber sido un “American Pie” informatizado, o incluso, siendo más generosos, un “Brick” de cine negro con ínfulas de género, se convierte en manos de Fincher, y sobre todo de Aaron Soorkin, en una lúcida disección de nuestros días. “La red social” deriva así en una oscura parábola del triunfo adolescente y sobre todo, un tema muy recurrente en Fincher, el existencial vacío que te deja la posesión completa de tus bienes materiales (en este caso, un emporio). Ya en “El club de la lucha” se incidía en la destrucción de lo material para la liberación, y lo que se nos muestra aquí es a un personaje esclavo de su insatisfacción. También aparecía este concepto en la infravalorada “La habitación del pánico”, una clara muestra de cómo, el desequilibrio de nuestros ámbitos estructurales, deriva en desequilibrios sociales y familiares. Por su parte, el dilema principal de Mark Zuckerberg es sencillo. Cuanto más dinero tiene, más tiene la sensación de que es un inadaptado (por mucho que un confesor personaje secundario) le diga lo contrario como colofón, en un plano final tan brutal, sencillo y desgarrador, que no puede ser más que el vaticinio de una oscura época de desintegración de la propia personalidad a través de los medios. Los personajes de la película, no viven en el mundo real, sino en una red virtual que ellos mismos controlan, y por tanto, controlan el mundo, invitando a aquellos que no querrían verlos ni en pintura a que formen parte de él.

Quizá lo más interesante de la película sea la concesión al diálogo, un chorretón de datos inacabable que exige una gran capacidad de asimilación por parte del espectador (discurso muy acorde con lo que es el propio Factbook), y sobre todo, un prodigioso montaje por comparación entre el mundo de exceso de los jóvenes, y el refugio antisocial que los protagonistas se crean, una realidad idealizada de aquel que no forman parte.

“La red social” es una película densa, pero no aburrida, con un ritmo endiablado y unas interpretaciones más que decentes, aderezada por una banda sonora metálica que te incluye en esta maraña de sentimientos encontrados y personajes tan autómatas como los propios ordenadores que manejan, donde el único con alma (Andrew Garfield), es relegado al fracaso.

Sin duda, otra muestra más de que Fincher es, sin atisbo de dudas, uno de los más importantes creadores generacionales de nuestro cine contemporáneo.

Híbridos fanta-cinematográficos

2010-09-22T00:15:00.000-07:00

La carrera de Vincenzo Natali, es, para mi, una de las más irregulares del panorama cinematográfico actual. Después de deslumbrar a muchos (no fue mi caso) con “Cube”, una especie de fábula moralista, opresiva y con personajes de brocha gorda, sorprendió (este sí fue mi caso) con “Cypher”, un film que no contó con la etiqueta de “culto”, impuesta a su anterior obra por aquellos gafapastas de principios del nuevo milenio que vieron en ese sucedáneo de K. Dick con una deliciosa Lucy Liu, algo mucho más convencional de lo que cabría esperar.

No mentiría si dijese que esperaba ansioso el nuevo trabajo de Natali “Splice”, ya que los directores irregulares son mi devoción. Un cineasta en permanente reconstrucción y desarrollo, siempre es más estimulante que aquel que nunca intenta nada nuevo.

Y si en el anterior caso citado, Natali se dejaba influenciar por Dick, es ahora un autor mucho más contemporáneo del que toma reminiscencias, David Cronenberg. Consciente o inconscientemente, el autor de “Cube” ha logrado un híbrido (nunca mejor dicho) del primer Cronenberg, (aportando dosis inéditas de la “nueva carne”), los transitados terrenos de la ciencia ficción de laboratorio e incluso algún guiño a la ironía futurista de Verhoven (esa demostración pública de “apareamiento”), consiguiendo así un resultado que no gustará a todo el mundo. Curiosamente, para mi resulta más atractivo aquellos momentos de intimismo enfermizo y sexual de la segunda parte de la cinta donde Natali se encuentra al borde del ridículo en el tránsito de la niñez a la adolescencia del insecto Drem. Esto se debe al desarrollo de la psique sexual de todos los protagonistas de la cinta, los anhelos maternales y egocéntricos de Sarah Polley y el precio con el que paga sus frustraciones infantiles.

En el terreno técnico, la película cuenta con el sello inconfundible de su creador. Fotografía fría, angulaciones imposibles y un discurso excesivo pero atractivo que dotan a “Splice” de un poso interesante, extraño, pero para muchos, insuficientes.

El la morgue con la Ricci

2010-08-01T06:33:00.001-07:00

¿Quién no ha elucubrado alguna vez con presenciar su propio funeral? Mentiríamos si dijésemos que no hemos pensado en quién iría a nuestro entierro. ¿Llorarían? ¿Nos echarían de menos?. No es precisamente esta la premisa de “After life”, sino algo mucho más interesante que por desgracia no es del todo explotado en la cinta. Anna (Christina Ricci), parece una muerta en vida, y aunque lo tiene todo, se siente triste y decepcionada. Tras tener un aparente accidente de tráfico en el que resulta muerta, Anna va a parar a la funeraria de Eliot Deacon (un Liam Nesson con piloto automático, y aún así decente en su rol), quien es capaz (según él) de hablar con los muertos. En este punto, la película se debate sobre una premisa muy interesante: ¿Es en realidad un don lo que este hombre poseé? ¿O él cree que la chica está muerta, y en su seguridad de que habla con los muertos, va a enterrarla viva?. Por desgracia, bajo una virtuosa dirección artística y de fotografía, unos bellísimos y estéticos encuadres de Christina Ricci como dios la trajo al mundo (que rozan la necrofilia), y un ritmo relativamente estable, la película estira una idea inicial que no sabe resolver, dando la sensación de que hubiese sido un excelente episodio de “Twlight Zone”. El problema, es que, aun con todos los giros que expone su argumento, el guión jamás acaba de rematar un desenlace satisfactorio, jugando a una ambigüedad final muy cercana a la serie B, con mala leche pero incoherente, y por lo tanto, la sensación de que todo está sacado de la manga. La sensación final, es que la temática expuesta, la metáfora y el contenido puramente nihilista está bien enfocado pero mal desarrollado.Yo me quedo con mi interpretación final (y creo que correcta y la más adecuada), para un film que hubiese dado en el clavo si hubiese sabido hilar las numerosas lagunas que va sembrando a lo largo de un guión con resolución más que cuestionable.

Echo de menos a Bubo

2010-04-06T23:07:00.000-07:00

En su afán por convertir la falta de inventiva en potencial producto de consumo rehabilitador de franquicias de escaso futuro, a Hollywood le ha dado ahora por la mitología. Ya en “Piratas del Caribe: En el fin del mundo” (fallida tercera entrega de una trilogía que podría haber sido más digna de lo que resultó ser) se apuntaban reminiscencias de lo que la mitología podía dar de sí. Recuerdo ver a esa gigante Calypso y retrotraerme precisamente a “Furia de titanes”, una pieza de artesanía que vista hoy día sonrojaría al más cinéfago. Es ahora Louis Leterrier, perpretador de “El increible Hulk” (la infumable secuela con Edward Norton, no la incomprendida maravilla dirigida por Ang Lee) quien se encarga de sumarse a la moda de remakear a los Dioses del Olimpo (hace un mes escaso ya lo hizo Chris Columbus con Percy Jackson, en clave de comedieta infantil muy lejana de Harry Potter y bastante más infumable que ésta). Sam Worthintong es Perseo, y es que tras “Ávatar” y “Terminator Salvation” parece que le han colgado el san benito de héroe de acción. Acompañado de los antagonistas de “La lista de Shindler”, Liam Neeson (Zeus) y Ralph Fiennes (Hades), quienes no me queda muy claro por qué se sumaron al festival de diseño de vestuario cutrón y efectos digitales de última hora. La película al menos entretiene, pero está desprovista de ese componente mágico de la original (que vista con el tiempo, tampoco es ninguna maravilla), aunque quizá su falta de pretensiones sea su mayor baza. Si en la original, Harryhausen elaboraba admirables stop motions, aquí los efectos digitales se encuentran en un término medio entre lo realista y lo artificial, sin quedar del todo claro si es un homenaje al material primigenio o una falta completa de presupuesto, gusto y consideración estética. Muchos me tacharán de nazi audiovisual por esperar más de este entretenimiento pasajero que olvidas a la media hora, pero es que, la mitología es demasiado buen material para desperdiciarlo de esta manera y quedarse en lo superficial. El juego de la supremacía frente al hombre, quien sueña con jugar a ser Dios no está nada explotado, en detrimento de un guión endeble, con pasajes innecesariamente inflados que no pertenecen al filme original pero tampoco aportan nada nuevo (esos cheewacas/ Ewoks de madera…¿PORQUÉ?). Tan solo una simpática irreverencia estilística respecto a Pegaso, que juega a su vez con las falsas expectativas del espectador, destaca ante esta reinterpretación “pulp” donde los actores no están a la altura emocional necesaria y la mítica Andrómeda es atada ante el Kracken con cuerdas en lugar de cadenas. Y es que esté claro que estamos en crisis, sobre todo de ideas

Lo mejor, el cameo de Bubo

EL PROTECTOR

2010-03-21T06:04:00.001-07:00

Estamos exigentes, eso nadie puede negarlo. Tras un año de cine español más que decente, tanto en cuanto a taquilla como respecto a calidad, los espectadores parece que vuelven a confiar poco a poco en el cine patrio. Anoche pude ver “El mal ajeno” en la sala de cine sita en uno de los centros comerciales más famosos de Murcia. Mentiría si dijese que estaba abarrotada, pero también lo haría si negase que estaba considerablemente más llena que hace un par de años por estas fechas con una película española de similar género (“Los cronocrímenes”, concretamente). Cierto es que el nombre de Alejandro Amenábar tira mucho, y el director se ha involucrado en este “El mal ajeno” como si de Spielberg en sus años mozos se tratase. Y es que, no se puede negar que la primera película de Oskar Santos tiene puntos en común con el cine de Amenábar, o más bien diría yo, con su forma de ver el cine. Para quien no lo sepa, Diego (Noriega) es un médico con nula empatía emocional que tras un accidente descubre que ha adquirido un extraño don, que finalmente acabará convirtiéndose en maldición. Poco más se puede contar sin contar demasiado. Es esta una historia que explota las necesidades de sus personajes a raíz de lo fantastico como excusa argumental, algo muy “amenabariano” o incluso también perteneciente a otro cineasta con el que creo que Santos se identifica más (concretamente M. Night Shyamalan). Y es que más allá de las similitudes argumentales con “El protegido”, todavía me estoy preguntando si una de las secuencias de la película donde Noriega se ve rodeado de pacientes enfermos a ritmo de una base electrónica-melódica con las mismas cadencias que la brillante partitura de Newton Howard para la peli de Shyami, es pura coincidencia, plagio u homenaje.

No obstante, quizá esa exigencia de la que antes hablaba se nota en la recepción que sobre todo la crítica está teniendo frente a este “Mal ajeno”. Para mi personalmente es una película muy encomiable, a la que posiblemente le sobra algo de metraje y alguna inconsistencia de guión (si bien Sánchez Arévalo consigue momentos muy buenos) como por ejemplo el cierre de la trama del personaje de Carlos, arrebatado, de poco sentido y, aunque sorprendente, algo inverosímil desde mi punto de vista, forzando una angustia (fruto de su “don”) para el personaje principal que ya había quedado clara en la secuencia anterior.

En otras, el talento de Santos brilla fulgurantemente (ese atropello) ofreciendo piezas sugestivas y realmente angustiosas. El reparto es muy correcto (Noriega está frio, pero no se hasta que punto es por el personaje o por él mismo), destacando a Luis Callejo o Cristina Plazas. Destaca también la frescura que aporta Clara Lago. Para los que no toleren a Belen Rueda, decir que apenas sale…

Técnicamente la película es notable y la lectura final, aunque previsible, es muy satisfactoria y redonda. Sinceramente no acabo de entender a la gente que se está cebando con un debut tan prometedor. Para mi tiene algún que otro escollo rítmico, pero lo más importante está ahí, y es el amor del director por la historia que cuenta, como se involucra y consigue así que también lo hagan los espectadores, que al fin y al cabo es el objetivo.

JARHEAD meets BLACK HAWK DOWN

2010-03-14T06:48:00.000-07:00

ESTA CRÍTICA ES PREVIA A LA GALA DE ENTREGA DE LOS OSCAR

Bigelow aparece como la directora favorita en alzarse con la estatuilla este año (y sería una de las primeras mujeres en hacerlo, si no me equivoco, por lo que es más que probable) tras su ex – marido James Cameron. Directora de filmes de acción más que reseñables, algunos obras de culto, Bigelow se apunta con “En tierra hostil” al llamado cine realista, cuasi documental. Esto obviamente, tiene sus pros y sus contras. Ya en “Jarhead”, infravalorada película de Sam Mendes (aunque tampoco sea precisamente su mejor obra, todo hay que decirlo), se apuntaba el discurso anti-bélico por encima de la propia historia. Allí, Gyllenhall era un soldado ansioso por disparar (cosa que, irónicamente no se efectuaba en todo el filme), lo cual tiene más de un punto en común con “En tierra hostil”. Conocedora de que no puede dramatizar un tema tan espinoso como los conflictos bélicos sin caer en el tópico, Bigelow opta por todo lo contrario, radicalizando así lo ya expuesto por el propio Mendes o incluso Scott en “Black Hack Down”. La historia es prácticamente inexistente en “En tierra hostil”, lo cual la convierte en una película difícil de ver (no por dura, sino por carente de ritmo), un tostón para otros muchos, y no les quito razón. De hecho, para mi, que me considero una persona que presta mucha atención al discurso, es en muchas ocasiones, desesperadamente. Bigelow crea muchos momentos de gran tensión (el principio es excelente), nunca del todo resueltos y olvida por completo el establecimiento de trama alguna. Los protagonistas pretender ser un reflejo violento del sinsentido bélico, pero (salvo el protagonista) son de trazo bastante grueso con los cuales no empatizas. De hecho, Bigelow no logra lo que ya hizo hace muchos años Kubrick con “La chaqueta metálica”, y ni tan siquiera es tan sugestiva como Scott. Dichos personajes van de un lado a otro del invadido Irak desactivando bombas como capítulos de tensión a la espera que alguno de ellos tenga una trascendencia importante para el desarrollo de la cuenta atrás en la que viven (y que no pasa de ser un rotulo previo a cada secuencia). Por todo ello, la empatía no se genera en ningún momento y cuando la Bigelow se pone humana, la cosa no cuaja. No le quito mérito a esta “En tierra hostil” pero tampoco opino que sea tan buena como en tantos círculos se señala. Tampoco la cuestión formal a base de zooms resulta especialmente novedosa y su duración, desde mi punto de vista, es excesiva. Detecto la necesidad de Bigelow por transmitirnos esa sensación de nihilismo de manera realista, pero es precisamente esa descreencia la que se cierne sobre la propia película como espectador. Aprecio el trabajo que conlleva la misma, pero no creo en ella lo más mínimo.

Más animales que los animales

2010-03-14T06:43:00.000-07:00

Por primera vez en su carrera, Wes Anderson se atreve a parir una cinta de animación. Y vistos los resultados me pregunto por qué no lo hizo antes. El marciano creador de mundos propios, excesivos e incluso surrealistas como “La familia Tenenbaum”, y que ya coqueteó con la animación en la interesante “Life acuatic”, junto con su actor fetiche Bill Murray nos ofrece con “Fantastic Mr. Fox” un híbrido perfecto entre su propio universo y el del, también insólito Roal Dahl. Acompañado de una troupé de actores, encabezados por Clooney, Meryl Streep, o el inefable Murray, que ofrecen a los personajes ese punto de ironía tan propio de Anderson, esta fábula sobre la naturaleza (y por ende) sobre el propio ser humano, resulta de lo más sugestiva. Mr. Fox no se aleja demasiado de cualquier padre de familia que siente que le falta algo, ese pequeño aliciente que se reduce a cero bajo los techos de una existencia domesticada y en exceso humana. Sueña con la posibilidad de volver a ser libre, cazar y sentirse nuevamente libre. La ferocidad con la que se toma el desayuno o las breves discusiones con su abogado son retazos de una personalidad enterrada en el más profundo subconsciente. Esta humanización no es nueva (ya estaba más que apuntada en una serie tan acertada como “Dinosaurio”, de la factoría Henson), y las relaciones entre los personajes, la carencia de sensiblería y el poso de sabiduría que se respira en cada gag acerca el filme a las mejores temporadas de “The Simpsons”, donde la genialidad residía en el esperpento de lo cotidiano por encima de la explotación del absurdo traída por series superficialmente adultas de la factoría Mcfarlene (Seth, que no Todd) donde los chistes sobre el cancer de colón parece de lo más novedoso.

De esta forma, Anderson demuestra como, con un ritmo endiablado muy propio de la animación que lo alejan de la puesta en escena de sus Films de acción real, es capaz de sumergirnos en un universo tan Roaldiano como propiamente “Anderson”. “Fantastic M. Fox” es, quizá, una de las mejores películas de animación nominadas al Oscar este año (también presente en la categoría de “Mejor Banda sonora” con la enérgica partitura de Alexandre Desplat), y deja de manifiesto como encontrar un término medio entre el humor absurdo, el slaptick y la ironía social más sugestiva

PRIMER PROGRAMA DE "¡VAYA TROPEL!"

2010-03-12T02:16:00.000-08:00

PRINCIPIO DE INCERTIDUMBRE

2010-01-22T01:14:00.000-08:00

En esa palabra podría resumirse la última película de los hermanos Coen (que no Cohen, como veo escrito por todos lados), en la Incertidumbre, con mayúsculas. Y si bien se encuentra enmarcada en la comunidad judía, no por ello deben sernos ajenas las cuestiones que se realiza su protagonista, un “simple” más que “serio”, como reza el título, profesor de matemáticas (cojonudo Michael Stuhlbarg).

Y como buen profesor de mates, este tipo serio es un hombre de ciencia, quizá por ello se le escapan los aspectos espirituales que intentan clavarle a pico y pala los rabinos de su comunidad ante la multitud de acontecimientos desastrosos que amenazan su existencia como si de un circo emergente de malignos enanos se tratase. Su religión, al igual que en muchos sectores la cristiana o cualquier otra doctrina, le marca que debe agradecer todo lo que le viene, pero esto no son más que desgracias, los rabinos se demuestran como unos incompetentes incapaces de darle respuesta y ese principio de incertidumbre matemático en el que “nada es seguro y todo es imprevisible, pero aún así deberán dar cuentas de ellos” (brillantísima secuencia de la pizarra que ilustra este texto) es el único en el que Gophnik parece acercarse a la VERDAD.

Estamos ante una de las obras más densas de sus creadores, si bien el humor absurdo y la sensación de pez fuera del agua dentro de un mundo que nos es adverso queda patente como hacía tiempo que no lo hacía en cualquiera de las películas de este duo genial a la par que imprevisible. Y digo densa por lo difuso de su discurso a cualquier ojo que no esté entrenado en los discursos de Joel e Ethan (y para los que estamos entrenados, incluso también), sobre todo en lo referente a su tramo final. Éste, es más un acto de fe en el que podríamos equipararnos al propio Larry Gophnik que a nuestro compañero/a de butaca, quien probablemente andará preguntándose porqué demonios no se metió a ver “Avatar” (con todos mis respetos para Cameron). El hermetismo del que está exento este nuevo relato nihilista y altamente descabellado es menor del que cabría esperar en la mayor parte de su trama, con episodios realmente brillantes (sobre todo el del dentista, que a mi parecer es la gran clave de la película) tanto cómica como dramáticamente, y cuya alternancia de ambos suponen un revés tras otro proporcionando un virtuoso tono de desconcierto que difícilmente se puede ver hoy día y ante los que muchos espectadores no sabrá que carajo hacer. Tan solo el, algo forzado, encuentro con su vecina y un tío Arthur algo desdibujado rompen un ritmo que se reinventa en cada secuencia, marciano y altamente kafkiano en la mayoría de sus situaciones y personajes.

No obstante, este hermetismo florece al final de la película, ofreciéndonos un desenlace en el que todo está en el aire (nunca mejor dicho…cierro Spoiler), y que puedes interpretar como una bendición (si has estado muy atento a la historia) o una auténtica maldición. El caso es que, en este terreno a sutil no les gana nadie a este par, y sea como fuera, lo que está muy claro es que el espectador se sentirá como el protagonista, con un altísimo grado de incertidumbre. Pero de eso se trata, ¿no?

DEJADO ATRÁS

2010-01-20T16:13:00.000-08:00

A medio camino entre la experiencia sensorial y el thriller psicológico (en el más estricto sentido de la palabra) se encuentra “HIERRO”, esperadísima (al menos por mi) ópera prima de Gabe Ibáñez donde explora los territorios más oscuros del alma humana. La película será tachada por muchos de fría, visualmente pretenciosa y vacía. A mi, me ha parecido un angustioso ejercicio de la “paranoia”, ciertamente más efectista que un Polanski o un Roeg, pero con muchos puntos temáticos en común con éstos (sobre todo con el segundo). La “sencilla” historia de María (una inconmensurable Elena Anaya) que pierde a su hija en un Ferry de camino a la isla de Hierro sirve como excusa para hablar de temas como la culpa, la soledad, la sospecha o la negación inevitable del amor como arrollador discurso final. Es aquí donde “Hierro” demuestra sus mejores bazas, en una resolución que (aunque muchos adivinarán poco avanzado el metraje) demuestra una profunda humanidad para con sus personajes y demuestra que los creadores de esta reivindicable cinta no los tratan como meras piezas de ajedrez, y los efectos visuales y de sonido (deslumbrantes también), son árboles que les permiten perfectamente ver el bosque. No obstante, caeríamos en la mentira si catalogásemos la película dentro del género de terror. Nada más lejos de la realidad. Las sensaciones que a mi me ha transmitido son las de ese suspense que no acaba de tener su climax con un susto fácil, pero a su vez con deliciosas salidas de tono (véase la secuencia de la caravana, un homenaje casi involuntario a “Kill Bill Vol 2”, o al menos a mi me lo pareció) que dotan a la cinta de esa vida propia y extrañeza que transpira por los arenosos poros de la isla donde se desarrolla, y que, por muy a tópico que suene, es un personaje más (incluso más importante que muchos de los secundarios). Pero por encima de todo, el mayor hallazgo es la utilización de los elementos visuales con carácter sensorial, emotivo e incluso descriptivo, apelando casi al inconsciente del espectador y haciéndole partícipe de las confusiones del personaje de Anaya. No estamos para muchos ante una película redonda, como en su época tampoco lo fueron “El maquinista” de Brad Anderson o la propia “Amenaza en la sombra” de Nicolas Roeg, con la que ésta guarda más de un punto en común, pero sí ante un notable ejercicio de estilo que nos sumerge en un microcosmos psicológico y de sensaciones de las que difícilmente puedes liberarte al salir de la sala de cine.

EGO, caos, salvajismo, soledad…niñez

2009-12-22T12:41:00.000-08:00

El primer problema de “Donde viven los monstruos”, es el acercamiento por parte del espectador con ojos de adulto. Ya no solo de adulto, sino de pre-adulto. Aun diría más, de adolescente. Podría resumirse en que el primer problema es, en definitiva, el acercamiento del espectador con otros ojos que no sean los de Max. Es decir, con los de un niño puro y duro.

Película puramente formal y aun así honesta hasta la médula, su director, Spike Jonze (“Cómo ser John Malkovich”, “Adaptation”) hace uso de su sucio a la vez que lírico estilo en función de la mínima historia épica del niño Max. Y es que es de una aventura emocional de la que hablamos. Pero si no nos ponemos en la posición del niño, jamás entenderemos la película, nos parecerá repetitiva, sin puntos de giro propiamente dichos y meramente insulsas. Para un niño, la cosa más insignificante, es todo un torbellino de sensaciones, la mayoría exorcizada de manera salvaje (monstruosa, nunca mejor dicho). En este aspecto, los primeros 20 minutos, apenas sin diálogos, son de lo mejor que he visto en una sala de cine en mucho tiempo. Sencillos pero tremendamente efectivos, todo un ejercicio, ya no de punto de vista, sino de “puesta en la piel” del personaje. Esto es realmente arriesgado y no salgo de mi sorpresa ante el éxito de la película en EE.UU.

El viaje de Max, donde interactuará con sus propios monstruos (que no son más que manifestaciones extremas de su carácter), no es justificado, ni falta que hace, al igual que no son justificadas la mayoría de acciones y decisiones del niño. Actúa por impulsos, su razón no está del todo (ni siquiera la mitad de) desarrollada, y esto se extiende al discurso del film. En envoltorio fantástico del relato no puede ser más fisico, más real, la película carece casi por completo de magia en el sentido estricto (o el que el último cine hollywoodiense nos ha enseñado), de la palabra. No hay misiones a vida o muerte, y toda la aventura es el tratamiento del niño con sus monstruos. Esto saca a relucir su ego, su miedo a la soledad, la necesidad de ser querido dentro de un mundo perfecto que no es tal y que irá descubriendo a lo largo del relato. La figura del Rey es utilizada aquí como la del padre ausente que no sabe como actuar, y el que Max aprende a comenzar a ser en un desgarrador pero necesario final.

Harán falta años para que esta obra de arte sea considerada como tal. Una película que no es para niños, sino sobre ellos.

MONZÓN SORPRENDE CON SU PELI MÁS REDONDA

2009-11-11T02:46:00.000-08:00

Mentiría si no puntuase como sobresaliente la interpretación de Luis Tosar como “Malamadre” en el último film del cada vez más talentoso Daniel Monzón. Es más, dicha actuación se corona como una de las grandes del cine español de los últimos años, alcanzando un nivel icónico y siendo lo más importante de todo el film, siendo la figura en la que se sostiene el mismo. Así, Monzón abandona su discurso más ficcionado para adoptar uno más cercano al documental (o también a las series de televisión americanas, según como se mire). Esto es de lo más coherente, es más, no se podría haber realizado esta película de otra forma. La experiencia de visionar esta película resulta muy cercana a otra estrenada hace bien poquito, también relacionada con el mundo de la delincuencia, “Enemigos públicos” de Michael Mann. Pensareis que estoy loco, pero no me refiero al tema ni a la época, sino al discurso adoptado. La única diferencia es que Monzón se atreve a mostrarnos personajes frescos y con sentimientos, alcanzando un término medio que Mann no conseguía (si bien cabe reseñar que tampoco le importaba). De esta forma, el mayor logro de “Celda 211” es precisamente el entretenimiento basado en el suspense más realista que se veía en años, tratado sin concesiones artísticas ni estilísticas. La música de Roque Baños es apenas inapreciable, el tratamiento fotográfico es, en su mayoría, sucio, en ocasiones carente de ningún tipo de alma. Parece que los recursos de los que Daniel Monzón dispone para transmitir sensaciones han sido relegados al 100% a la interpretación de los personajes protagonistas (y en gran parte así es), a excepción del montaje, algo más falseado pero sin apuntes que nos haga apreciarlo. Estamos ante un portento cinematográfico con un lenguaje reducido a la mínima expresión, salvo por los movimientos de cámara. La fórmula funciona, aunque quizá estamos ante el producto perfecto para explotarla, y este discurso sea de un alcance limitado, única y exclusivamente a films de esta temática o categoría.

OSADA FICCIÓN SETENTERA

2009-11-08T06:15:00.000-08:00

Creo que no me sentiría solo si dijese que soy uno de esos nostálgicos que agradecen la nostalgia que algunos títulos desprenden a pasadas modas cinematográficas donde la inocencia imperaba sobre el raciocinio y el pragmatismo de las post-modernas propuestas con las que nos bombardean hoy día. Y si por algo no funcionará “The box” entre el gran público (aparte de por alguna que otra laguna narrativa y su exceso de metraje), es precisamente por eso. El espectador actual tiene una pasmosa facilidad para hacer borrón y cuenta nueva en cuanto al discurso cinematográfico, y antiguas fórmulas, por desgracia, dejan de tener vigor hoy en día. No obstante, siempre quedarán creadores como Richard Kelly, que en su nueva propuesta (tras la decepcionante y pretenciosa “Southland tales”) nos ofrece un completo revival de momentos directamente extraidos de la “Twilight Zone”. Kelly se muestra osado en este nuevo trabajo (de temática conocida por todos los que estén leyendo estos) y es coherente con su discurso, ofreciendo un “look” y tratamiento artístico muy setentero en todos los departamentos de la cinta. Esto, al menos en mi caso, me hace levantar la mano a las carencias de “The box”, la historia de un matrimonio al que una desfigurada figura mefistofélica ofrece una cajita con el botón que les hará percibir un millón de dolares a cambio de que alguien que ellos no conocen, muera. Y es en el desconocimiento de las victimas donde Kelly plantea el mayor dilema de la sociedad del tiempo que relata (y también, por que no, el de hoy día), ¿a quien conocemos realmente?. El viaje de Cameron Diaz y James Mardsen es precisamente este, el de dos extraños espías en un ambiente consparanoíco híbrido de los mundos de Pakul, Polanski o Lynch, que no saben nada el uno del otro, pero trabajan para el mismo objetivo, descubrir qué esconde el siempre fascinante Frank Langella. La música de Arcade fire, es el vehículo perfecto para hacernos entrar en la atmósfera, y sin duda hay que reconocerle al director de “Donnie Darko” su capacidad para plantear cada plano de manera estudiada, sin demasiadas concesiones en las mejores partes del relato, donde predomina la sugerencia (lástima que en algunos momentos se le vaya la mano y la cosa chirríe en no pocos momentos). No obstante, está muy claro que nos encontramos ante una película de ciencia ficción, algo que no todos los espectadores tolerarán, mucho más cercana a los clásicos de los años 60 y 70 que a la actual ciencia ficción, quizá con demasiado porcentaje de ciencia y bien poco de ficción. Por lo tanto, la capacidad del joven director como para sugerir, y dejar cabos sueltos, deja patente que es más una marca de la casa ya patente en sus 3 cintas, más que una incapacidad coherente o estructural. Su capacidad de sugerencia, sigue pues, intacta, dejando que el espectador también tenga algo que decir al salir de la sala, al contrario que el 80% de directores actuales. Es valiente, y como todo el que arriesga, tiene un alto porcentaje de pérdidas a lo largo del camino, creando una confusión más que buscada que el espectador medio no aguanta. Es más, tan solo obtendrá ganancias con el tiempo, como ya le ocurrió con su primera e incomprendida obra, ahora tachada por todos como una “obra de culto”. Estoy seguro de que Richard Kelly podría hacer una película muchisimo más convencional. Pero no le da la gana, y yo que me alegro.

500...y los que hagan falta

2009-10-26T04:21:00.001-07:00

Sin duda, la mejor película que he visto esta semana ha sido “500 días juntos” (o dicho de forma más correcta “500 days of summer”, título que, si bien no se puede traducir al castellano con el significado que tiene en su acepción original, si que representa mejor a la película). Con un reparto en estado de gracia, una excelente banda sonora y un tono melancólico sin llegar a ser deprimente, la episódica película de Marc Webb, es el resultado de esas pocas ideas cotidianas llevadas con brillantez al discurso cinematográfico. Joseph Gordon Levitt y Zooey Deschanel están estupendos en sus roles (sobre todo él, todo hay que decirlo) y la puesta en escena y distribución de los episodios está resuelta de manera original y contrastada. También hay que advertir a aquellos que esperen una comedia romántica al uso, que se abstengan de ver esta película. El film no es otra cosa que la típica historia de amor contada de manera realista y más original de lo habitual. Pero ahí recae su gracia. Ahí y en la falta de pudor de sus responsables a la hora de caer en lo ñoño. El equilibrio entre lo bonito y lo angustioso esta realmente conseguida y la película se ve con una sonrisa de satisfacción en los labios. Se nota que el director tiene mucho cariño a sus personajes y consigue una película humana y cálida como pocas. No pasará demasiado tiempo hasta que sea encumbrada como una obra de culto entre los más cinéfilos, como ya pasaría con otras cintas sobre relaciones como “Persiguiendo a Amy” o “Alta fidelidad”, a las que esta supera en poderío visual y narrativa. Posee grandes hallazgos en dicho terreno, como el uso adecuado de las pantallas partidas como hace mucho tiempo que no se veía, los dibujos animados y el musical (tronchante secuencia post-coital). En definitiva, que la única pega que se puede encontrar a “500 días juntos” es su estructura episódica, lo que puede hacer falla el conjunto o que carezca de la fluidez necesaria. No obstante, una estupenda elección de buen cine para esta semana.

GILLIAM VUELVE A LAS ANDADAS

2009-10-26T03:01:00.000-07:00

Y seguimos criticando todo lo criticable, en este caso, el último trabajo del irregular pero impertérrito Terri Gilliam. Lo de este tío no tiene nombre. Después de pasarlas canutas con “El hombre que mató a Don Quijote” y llevarse palos hasta en el carné de identidad tras “El secreto de los Hermanos grima” y “Tideland”, vuelve a demostrar que es cabezón como pocos y levanta una de sus películas más personales, directamente relacionada con un antiguo fiasco dirigido también por él, “Las aventuras del Barón Monchausen”. Por todo ello, Gilliam merece mi más sincera admiración. No hay algo que más me emocione hoy en día que los artistas con ideas claras, más allá de lo irregular de sus resultados. Es más, el que sean tan cabezones parece directamente relacionado a que sus obras, en una gran mayoría, no tengan ni pies ni cabeza. Y esto, también se aprecia en “El imaginario del doctor Parnassus”, donde el que fuera componente del grupo Monty Python despliega su imaginación de manera desorbitada, ridícula en ocasiones, pero siempre de manera creativa. Conocida es el incidente que condicionó el rodaje de la película, la muerte de Heath Ledger, lo cual no paró al demente de Terri para finalizarla y luchar hasta el final para conseguir su distribución. Es más, la solución de dicha muerte ha llevado a que la película sea comercialmente más “vendible”, gracias a la colaboración desinteresada de actores de tirón, especialmente Johnny Depp, que hay que decirlo, sale apenas 3 minutos (ni más ni menos). Llegados a este punto, y conociendo la tendencia del director (que aquí más que nunca es “autor”) al más que desorbitado disparate, cabe preguntárse qué es criticable y qué no de este Parnassus, ya que el desequilibrio es para mi marca de la casa. Repleta de anti – climax, secuencias innecesariamente largas, aportaciones surrealistas pero ridículas, y rozando a ratos la vergüenza ajena, el espectáculo montado por el alter ego de Gilliam, el Parnassus interpretado por Christopher Plummer, con claras referencias a figuras bíblicas como el propio Jesucristo, no sería más que un Mesías que ha sucumbido (y sigue sucumbiendo) a las propuestas de un demonio entre lo fascinante y lo absurdo, un Tom Waitts encarnando a un cliché con patas. Dicha apuesta debe culminar con el secuestro de la hija de Parnassus (sugestiva Lily Cole), lo que deriva en la subtrama más bonita de todo el conjunto, la madurez de su hija por encima de la inmadurez de su propio padre, perdido, borracho y desencantado en un mundo que ya no quiere oir historias. Esto otorga al conjunto un discurso plenamente idealista, muy propio de Terri Gilliam, un creador al que se le pueden achacar muchas cosas, pero también se le deben reconocer otras tantas. Entre ellas, aparte de su poderoso estilo visual, está la pureza de su cometido y la vitalidad, emoción e importancia con que impregna cada uno de sus virtuosos planos.
Y seguimos criticando todo lo criticable, en este caso, el último trabajo del irregular pero impertérrito Terri Gilliam. Lo de este tío no tiene nombre. Después de pasarlas canutas con “El hombre que mató a Don Quijote” y llevarse palos hasta en el carné de identidad tras “El secreto de los Hermanos grima” y “Tideland”, vuelve a demostrar que es cabezón como pocos y levanta una de sus películas más personales, directamente relacionada con un antiguo fiasco dirigido también por él, “Las aventuras del Barón Monchausen”. Por todo ello, Gilliam merece mi más sincera admiración. No hay algo que más me emocione hoy en día que los artistas con ideas claras, más allá de lo irregular de sus resultados. Es más, el que sean tan cabezones parece directamente relacionado a que sus obras, en una gran mayoría, no tengan ni pies ni cabeza. Y esto, también se aprecia en “El imaginario del doctor Parnassus”, donde el que fuera componente del grupo Monty Python despliega su imaginación de manera desorbitada, ridícula en ocasiones, pero siempre de manera creativa. Conocida es el incidente que condicionó el rodaje de la película, la muerte de Heath Ledger, lo cual no paró al demente de Terri para finalizarla y luchar hasta el final para conseguir su distribución. Es más, la solución de dicha muerte ha llevado a que la película sea comercialmente más “vendible”, gracias a la colaboración desinteresada de actores de tirón, especialmente Johnny Depp, que hay que decirlo, sale apenas 3 minutos (ni más ni menos). Llegados a este punto, y conociendo la tendencia del director (que aquí más que nunca es “autor”) al más que desorbitado disparate, cabe preguntárse qué es criticable y qué no de este Parnassus, ya que el desequilibrio es para mi marca de la casa. Repleta de anti – climax, secuencias innecesariamente largas, aportaciones surrealistas pero ridículas, y rozando a ratos la vergüenza ajena, el espectáculo montado por el alter ego de Gilliam, el Parnassus interpretado por Christopher Plummer, con claras referencias a figuras bíblicas como el propio Jesucristo, no sería más que un Mesías que ha sucumbido (y sigue sucumbiendo) a las propuestas de un demonio entre lo fascinante y lo absurdo, un Tom Waitts encarnando a un cliché con patas. Dicha apuesta debe culminar con el secuestro de la hija de Parnassus (sugestiva Lily Cole), lo que deriva en la subtrama más bonita de todo el conjunto, la madurez de su hija por encima de la inmadurez de su propio padre, perdido, borracho y desencantado en un mundo que ya no quiere oir historias. Esto otorga al conjunto un discurso plenamente idealista, muy propio de Terri Gilliam, un creador al que se le pueden achacar muchas cosas, pero también se le deben reconocer otras tantas. Entre ellas, aparte de su poderoso estilo visual, está la pureza de su cometido y la vitalidad, emoción e importancia con que impregna cada uno de sus virtuosos planos.

"PEQUEÑITA" y muy matona

2009-10-26T02:33:00.000-07:00

Fin de semana cinematográficamente productivo, sin lugar a dudas. Eran varios los estrenos que tenía pendientes, así como los más nuevos por los que tenía, como mínimo, algún interés, así que allá voy con el primero.
Intentando ir un poco más lejos con el trillado tema de los “niños psicópatas”, el catalán sabiamente afincado al otro lado del charco, Jaume Collet- Serra nos propone en “La huérfana” otra vuelta de tuerca a este subgénero. No eran pocos los precedentes que tenía, desde “La profecía”, pasando por “El buen hijo” o la más reciente “Joshua” (curiosamente también interpretada por Vera Farmiga, una actriz todoterreno que se está ganando a pulso el ser una de las mejores de su generación). Aún así, Collet- Serra demuestra buen oficio, y aunque el guión está cogido con pinzas durante casi el 70% del metraje (hay acciones bochornosas desde el punto de vista justificativo de guión, como por ejemplo, la forma en que Esther le quita a su hermana el audífono), consigue dotar de ritmo y personalidad las 2 horacas de metraje, que solo adolecen al conjunto en el último cuarto de hora, de lejos, lo más topicazo de toda la película. Y es que, combinando el drama familiar, una dirección llena de guiños al espectador aficionado, y unas interpretaciones bastante correctas, “La huérfana” no acaba de naufragar por su farragoso viaje gracias a un giro de última hora que hace replantearte el conjunto. Y funciona. A ratos es ridículo, delirante, excesivo…pero funciona. Quizá es el ansia de los fans del terror por nuevas propuestas, quizá el agotamiento de viejas fórmulas, pero el caso es que la “pequeña” Esther, interpretada de forma bastante coherente por Isabelle Fuhrman, es una de las “psico-niñas” que más papeletas tiene para pervivir en el imaginario colectivo del género desde hace bastante tiempo.

TRAILER DE "GREYLAND"

2009-10-19T13:53:00.000-07:00

Bueno, sin muchos comentarios más, aqui os dejo el trailer de mi último corto que se estrenará en 2010 (a principios, espero). A ver qué os parece.

"GREYLAND". TRAILER from Ruben Bautista on Vimeo.

INTIMISMO ASTRONÓMICO

2009-10-12T13:42:00.001-07:00

Si existe una evolución autoral que me fascina dentro del panorama cinematográfico mundial (donde recordemos que se incluye el español), esa es la de Alejandro Amenábar. Lejos de encasillarse en el género del suspense que le dio sus mayores éxitos, el cineasta español ha evolucionado hacia terrenos que muchos consideraríamos insospechados, pero el contenido autoral sigue intacto. Y es que, aunque para muchos, Amenábar carezca de personalidad (según algunos porque copia, y según muchos otros ni tan siquiera eso), sus estilemas de autor se vislumbran en la temática y no en la puesta en escena, casi siempre, por otro lado, reducida cada vez más a la mínima expresión. Precisamente en “Ágora”, Amenabar se salta aquello que le caracterizaba, el ser demasiado correcto estilísticamente y dejarse llevar algo más, sobre todo en el terreno de los movimientos de cámara, mucho más desenfrenados e imperfectos que en sus anteriores trabajos, de forma plenamente justificada. El discurso de “Ágora” va desde la completa armonía hasta el caos más absoluto dependiendo de los personajes que se encuentren en el plano, y todos los elementos formales están al servicio de la historia y las sensaciones que se quieren mostrar, algo que Amenábar siempre ha cuidado mucho más de lo que la gente antes citada cree.

Por otra parte, el riesgo también se respira en la historia que se cuenta, y dicho riesgo tiene dos vertientes, la primera es social, y la segunda, abiertamente “lúdica” por llamarla de algún modo. Desde “Los Otros”, la religión ha jugado un importante papel en el cine de Amenábar, y no precisamente para vanagloriarla. “Mar adentro” se convirtió por su parte en diana de los sectores más conservadores, aquellos para los que “Los Otros” era demasiado sutil como para advertir el claro mensaja anti-fundamentalista que ya apuntaba Amenábar en la historia de Grace y sus niños. Y esos mismos pondrán el grito en el cielo con “Ágora”, una cinta donde los Cristianos no salen nada bien parados. Al igual que por otra parte, tampoco lo hacen los judíos, ni los paganos…pero eso es otra historia. La de la película que nos ocupa es, como todos sabeis de sobra y no repetiré aquí, la de la filósofa Hypatia, interpretada brillante y sutilmente por Rachel Weisz. En cuanto a la parte lúdica de la misma, que antes citaba, es donde radica el mayor problema.

No estamos ante “Gladiator”, ni falta que hace, pero el publico tal vez es lo que espere. Pero tampoco nos engañemos, los trailers no llevan a confusión. Nos encontramos ante una historia apasionante de pasión versus razón, en el sentido más estricto de la palabra. Los personajes que pueblan la cinta son gente perdida entre las distintas creencias que se plantean, están quienes se cuestionan y quienes luchan por un ideal que ni tan siquiera entienden o entienden a su (inmoral) manera. Y luego está Hypatia, el personaje que lleva el peso del “Mcguffin” de la película. Un McGuffin astronómico (nunca mejor dicho), que no tengo muy claro que los espectadores vayan a seguir con la misma pasión que le pone el cineasta. Y es que partimos de algo de sobra conocido, y actualmente los espectadores tampoco tienen ganas de preguntarse nada. Es una lástima, ya que, junto con algún bajón de ritmo poco acusado es la única pega que le veo a esta “Ágora”, una película monumental, emotiva cuando debe serlo, fría cuando lo exige el momento y sobre todo el personaje, y sobre todo, bastante honesta. Una de esas raras veces donde el cineasta es lo suficientemente inteligente para ponerse en la piel de personajes extremos sin que parezcan, en su mayoría, caricaturas. Una muestra de serenidad, argumentos plurales y documentados, y espectáculo. Esperemos que el público, cristianos o no, sepan verla con la perspectiva necesaria. Desde las estrellas.

CEGADOS POR LA FORMA

2009-10-08T06:12:00.001-07:00

Es, radicalmente imposible hablar de “REC 2” sin soltar destripes a saco. Así que, sin que sirva de precedente, y teniendo en cuenta que si estáis leyendo esta crítica es por que os gusta ver saltar intestinos, voy a descuartizar de cabo a rabo la nueva obra de Jaume Balagueró y Paco Plaza. Lo de descuartizar, no es porque me haya parecido mala…sencillamente me ha parecido fallida. Bastante fallida.

Sobra decir que admiro mucho el trabajo de Plaza y Balagueró tras las cámaras, pienso que son dos de esos pocos artesanos de las emociones más extremas (y comerciales) que tenemos en el panorama del cine español. “Rec” me pareció muy fresca, sin entusiasmarme tanto como otros proyectos anteriores de los directores, supuso algo nuevo, una experiencia más que algo puramente cinematográfico. El problema de su segunda parte, es para empezar, que han intentado ir más allá, y desde mi punto de vista, se pierden en el camino. No me refiero a que no sepan lo que están contando, sino que a mi parecer, Balagueró y Plaza han sido cegados por la forma de su obra de tal manera que han olvidado otras cosas, y a algunas les han puesto demasiado empeño.

En la lista de las cosas que han olvidado estaría, principalmente, la verosimilitud, comenzando por las interpretaciones. Digámoslo claramente, esos “Geos” están sobreactuados. Hablan en exceso vocalizados, sueltan parrafadas ultra tópicas y de forma teatral a más no poder, en definitiva, no me los creo. Todas las acciones son mucho más “peliculeras” que en la original, y el principio carece de una frescura que solo es retomada con el episodio de los niños hacia la mitad de la película (una de las pocas cosas de la cinta que me hizo recordar la original, y hay que decir que los zagales se salen). Pero empecemos con los spoilers gordos. A parte del tema de las posesiones, cosa que ya se apuntaba en la original, y que aquí no me ha convencido en absoluto (Balagueró parece tan obsesionado con “El exorcista” que hace su propia versión de la película de William Friedklyn), para mi el error más garrafal de la cinta es…la realidad paralela.

Vamos a ver, me creo que se perciba una realidad paralela mediante la cámara por el visor nocturno, vale (aunque ya es mucho creer), pero no paso por el aro de que los personajes puedan interactuar con dicha realidad e incluso cambiar de escenarios por el simple hecho de apagar la luz, es ridículo de cabo a rabo. Punto segundo, Manuela Velasco. Su personaje es inconsistente y todo lo que hace no tiene ningún sentido teniendo en cuenta lo que va a pasar al final. Cuando aparece con la cámara dices: vale, es lógico, tienen que seguir grabando…pero, ¿por qué aguanta hasta el final para hacer todo lo que hace? ABSURDO. Por no hablar de la “justificación” de que esté viva, sacada de la manga desde mi punto de vista y que (para colmo) parece el resumen de el “por qué” de toda la película. Lo que quiero decir con todo esto es que, argumentalmente, todo me parece de lo más forzado e injustificable (¿por qué disparan a la niña Medeiros? ¿Por qué tiran al pobre hombre por las escaleras si saben que es un civil?...) y en el apartado técnico, la cosa no mejora. Es decir, sí que mejora, pero ahí esta el error. ¿Qué tipo de cámara llevan los Geos? ¿Una Red One?. “REC 2” es muchísimo más cinematográfica que “REC”, en todo momento parece una película y te llegas a preguntar por qué estás viendo lo que estás viendo (no hay tal justificación para grabarlo, o al menos no se especifica), y por qué el Geo graba tan cojonudamente, hasta con travellings y todo. Me da pena dar la sensación de que la peli es una basura, por que no lo es, pero creo que se peca de muchisimas incoherencias y la fórmula de la primera parte ya no funciona igual. Me salí de la “historia” en numerosas ocasiones y los impactos fueron mucho menores. No obstante, sigue teniendo buenos momentos que demuestran que este par saben hacer buen cine…pero desde mi punto de vista, deberían salir de momento de esta pequeña “franquicia”. Les deseo lo mejor.

La hija (MUY) bastarda de Juno

2009-10-08T05:49:00.000-07:00

Lo que es el sueño americano. Hace dos años, una stripper tatuada y atractiva (pero no lo suficiente como para haber sido stripper, todo hay que decirlo), se alzaba con el Oscar al mejor guión original por Juno. Diálogos supuestamente ácidos para una trama, entre líneas, bastante conservadora que le valieron a Diablo Cody el dichoso señor calvo de oro. A día de hoy, llega a los cines su nueva película como guionista, “Jennifer´s body”, co-producida por Jason Reitman y dirigida por la “visionaria” encargada de “Aeon Flux”, Karyn Kusama. Entre tipas anda el juego, ya que la tercera en discordia, la que se pone en el pellejo de la jennifer del título no es otra que Megan Fox. El argumento es por todos conocidos, un cruce entre “El exorcista” chungo, “El diablo metió la mano” y “Chicas malas”, sin demasiada carnaza que enseñar, con homenajes voluntarios metidos con calzador y diálogos que pretenden ser frescos pero están congelados. Jennifer es poseída por un demonio al ser sacrificada por un grupo de rock que quiere triunfar, cuyos componentes creen que la muchacha es virgen (salta a la vista). A partir de ahí, su mejor amiga, la protagonista pasiva de la historia (interpretada brillantemente por Amanda Seyfried, que no se qué hace metida en todo este embrollo) tendrá extrañas visiones sobre las actividades nocturnas de su pelandusca amiga, intentando detenerla, o algo parecido. La trama es, ya de por si, delirante, pero este no es el problema en absoluto. El problema es que la frescura es cero, los personajes están mal definidos y los chistes ni siquiera dibujan una mísera sonrisa. “Jennifer´s body” tiene un comienzo apreciable, pero nunca se llega al punto necesario de ironía ni cinismo. Lo que si se hace es crear un tono de confusión intercalando escenas dramáticas que no pegan ni con cola, chistes sexuales para féminas (supuestamente sutiles) y nada de ingenio. La puesta en escena es del montón, con momentos apreciables pero bastante normalita en su conjunto, sin destacar especialmente salvo las típicas escenas transitorias con música para adolescentes. Las lagunas de guión son como la propia catarata que da nombre al pueblo donde se desarrolla la historia, un agujero negro donde todo vale, se crean conexiones inexplicables (¿hola? ¿hermanas de sangre? ¿hola? ¿se supone que por eso se donde estás en cada momento? Robert Mckee mátame), se desaprovechan otras muchas situaciones que hubiesen servido para trazar la amistad de las protagonistas (en lugar de esos innecesarios flashbacks y ese tópico de la cadenita al cuello) y únicamente un mísero beso lésbico genera algo de gustirrinín al sucio espectador que llevamos dentro. Cody, ha intentado elaborar una historia de amistad con demonios de por medio, lo cual solo se adivina hacia la mitad de la cinta por medio de risibles (creo que es lo que pretenden, no obstante) secuencias, haciendo aguas en su propósito de ir más allá. Y además de esto, es aburrida a más no poder. Creo que este año, Diablo Cody verá los Oscar desde casa.

Y ahora, la foto que todos queriais ver....

....ni siquiera sale en la peli!!!!!!!!!!!

Experimentos, los justos

2009-10-01T08:44:00.000-07:00

Es de sobra conocida entre los seguidores del director americano Steven Soderbergh su alternancia entre proyectos de gran envergadura comercial y otros más minoritarios, independientes o, como en este caso concreto, “experimentales”. Desde que empezase su carrera con “Sexo, mentiras y cintas de video” (para mí una cinta más que brillante), dicho jugueteo formal se ha ido sucediendo de forma cada vez más radical. El bueno de Steven ya lo hizo con “Bubble” o “Full frontal” entre exitazos como la saga “Oceans”, “Traffic” o “Erin Brokovich”. Y, por muy raro que parezca, yo lo prefiero cuando se pone comercial a cuando se pone experimental. Esta vez, previamente a su cita con los grandes estudios con “El soplón” (“The informant”) y después de un díptico sobre el Ché Guevara que dejó al personal bastante frío, se atreve a rodar un pseudo documental sobre las señoritas de compañía con actriz porno incluida. Y cuando yo llamo pseudo a algo es por que se queda a medio gas. Todo en “The girlfriend experience” es confuso y nunca llega a atarse, empezando por los mismos personajes. La ausencia de convencionalismo en el cine experimental de Soderbergh le ha llevado a un punto en el que el conjunto es el resultado de un “anti todo”. No hay historia, no hay conflicto, no hay personajes, no hay punto de giro, no hay evolución (ni lo contrario), no hay clímax, y el final puede llegar en cualquier momento, que te vas a quedar igual. Como persona que ha visto el suficiente cine, puedo identificar los puntos que antes he mencionado en “The girlfriend experience”, pero tras un análisis secundario y excesivamente cerebral. Durante el transcurso de la película no lo aprecias, y no funciona lo más mínimo. La sutileza es tal que jamás llegas a interesarte por esta Shasha Grey, por otro lado bastante correcta. Y para sus fans, indicar que solo sale en ropa interior al final…si quieren algo más, saben de sobra donde tienen que buscar, por que aquí no lo van a encontrar.

A mi no me pasa nada...¿y a vosotros?

2009-09-30T04:09:00.000-07:00

¿A nosotros? ¿Pero qué demonios nos pasa? Eso es lo que preguntan, una chiquilla insoportable que da la brasa al 110% de hombres que conoce, una esposa neurótica obsesionada con el tabaco, una mujer empecinada como un talibán en ser esposa, una friki de las redes sociales y demás fauna femenina, radical e inadaptada, frente a una fauna masculina que tiene dos polos opuestos, o la perfección o la ignorancia más extrema. Estamos ante un cine sin demasiados matices, donde las situaciones más comprensibles se convierten a medida que avanza la cinta en inverosímiles e injustificadas para cada uno de los personajes (especialmente el casi cameo de Ben Affleck). Todo está al servicio de las damas en esta cinta, hay que dejarlas contentas y no faltará la voz en off final a lo “Sexo en Nueva Cork” que subraye que la peor parada también está de puta madre. No se trata de machismo ni de feminismo…se trata de que se vende este film como que los hombres tienen un problema, y a todas luces es el género femenino el que parece no saber lo que quiere arrastrando con ello a sus parejas (salvo en el caso del adulterio, donde hay secuencias tan tópicas que no hacen ni gracia, incluida una donde la amante se esconde en el armario). Quizá por todo ello sea un éxito tan grande entre el público, los resultados son previsibles, forzados, metidos con calzador y completamente sesgados. Resulta una lástima ver a tanta gente con talento metida en semejante sub producto, empezando por una magnífica Jennifer Connelly que levanta la cinta cada vez que aparece, o una voluptuosa Scarlett Johansson (encasillada en el papel de tía buena) único reclamo para el público masculino que la propia cinta toma como posible y estúpido target secundario.

Una marca que todo el mundo reconocerá

2009-09-25T17:48:00.000-07:00

Aldo Rane deja marca. Le gusta grabar con su cuchillo la personalidad de aquellos a los que odia para reconocerlos, resaltarlos entre la masa y aniquilarlos. Y lo hace en la frente, la antesala del conocimiento, donde reside la verdadera personalidad.
Tarantino también deja marca. Y lo hace de manera irreverente, casi egocéntrica en muchos aspectos, pero mortalmente divertida. Le gusta fotografiar con su cámara tanto a aquellos que odia como a aquellos que ama…aunque en el fondo todos le parecen especiales. Y es ahí donde despliega lo que le hace único, nos guste más o menos.
Su marca es la de los diálogos interminables, la de las planificaciones sobrias apuntaladas con un golpetazo conciso de montaje. Las del naturalismo casi tedioso en la narración, con secuencias llevadas al límite, hasta donde ningún otro cineasta convencional se atrevería a hacerlo. Su marca es la de le excepción que confirma la regla. Y “Malditos bastardos” lo pone más de manifiesto que nunca por una sencilla razón, es lo más cercano que Quentin estará de hacer una película “mainstream” y que a la vez satisfaga a sus fans, manteniendo intacta su personalidad. Y no, su personalidad no son solo los tacos, los planos contrapicados y las pistolas ladeadas (que antiguo queda eso…). También se basa en la narración, es más, es lo primordial. En una estructura casi literaria y de la manera más anti comercial que se ha realizado en los últimos años, Tarantino aborda la temática Nazi desde una perspectiva más cercana a la que desarrolló Spielberg en la saga de “Indiana Jones” a la forma en la que lo hizo en “La lista de Schindler”. Todo es una gran sátira donde sus personajes se lo toman todo muy en serio, pero no son más que caricaturas, un “Grand Giñol” perfectamente orquestado en capítulos. En cada uno de ellos se presenta a un personaje, se desarrolla a tal personaje, y se pasa al siguiente. Tan sencillo como eso. Quizá sea la película más sencilla estructuralmente del cineasta, y en ello recae su virtud. Trama coral en la que los personajes son unidos por el fantástico Christopher Waltz, y a su vez todos son igual de, valga la redundancia, “Bastardos”. Tan solo los diferencia una cosa, la venganza, algo a lo que Tarantino recurre bastante en sus últimas películas y que se ha convertido ya en un leit motiv que también es “marca” de la casa. La moral se desdibuja más que nunca, pero logramos separar los hechos de la ficción, y es que esto no es más que eso…una gran ficción basada en un hecho no real, pero con personajes relativamente basados en personas reales. ¿Curioso, no?. El grado de falsedad es tal, que todo vale, y eso es lo realmente cojonudo, ya que se ejecuta el gran final que todos los espectadores quieren ver y que no desvelaré aquí. Quizá la mayor virtud de todo el film sea contar con el propio background del espectador. No existen rótulos que nos indiquen los hechos, porque tales hechos jamás acontecieron. Esto no es más real que la invención de Alan Moore en “La liga de los hombres extraordinarios” con Dorian Gray luchando contra el doctor Jeckyll. Y en toda esta maraña, Quentin y su apasionado amor por el cine se hacen presente de una forma tan irónica como alegórica. Tan física como simbólica. Para los nazis, era un arma de propaganda, para los protagonistas de la cinta, unicamente la primero. Siempre nos quedaremos con la duda de en qué bando estamos los propios espectadores, ¿acaso somos iguales que aquellos que mueren quemados en la sala por el hecho de divertirnos viendo el sufrimiento en una pantalla de cine? ¿ Podría ser esta película el “meta” film definitivo (metacinematográfico, metahistórico…) donde el creador nos habla directamente sobre la necesidad de visionar la violencia y el morbo de la misma por parte de los espectadores al nivel que el que sienten los genocidas del Tercer Reich?. Yo me inclino a pensar que quizá sea leer demasiado entre líneas, y que tan solo es una excelente película apabullantemente formal, donde el ritmo no es el de el “discurso americano” predominante. El ritmo lo marca el propio Quentin, otra cosa son tus apreciaciones del mismo. Y como bien dice él mismo, no es un cineasta americano, sino un cineasta del planeta tierra. Y eso amigos mios…es un adjetivo tan amplio como la antológica secuencia de la taberna.

"LA MALDICIÓN ARONOFSKY"

2009-08-24T04:12:00.001-07:00

No se si lo sabiais, pero Aronofsky tiene un curioso ritual. El director de películas como “Requiem por un sueño” o la más reciente “El luchador” (con el resucitado Mickey Rourke), no se afeita durante sus rodajes. Es una manía. Una superstición si queréis llamarlo así. No se exactamente de donde viene dicho ritual. Quizá el bueno de Darren se afeitó durante el rodaje de “The fountain” y, como le dieron palos hasta en el carnet de identidad, decidió a partir de entonces que si no se afeitaba le iría mejor. Lo hizo en “El luchador”, y como le llovieron los premios, desde entonces, deja crecer bíblicamente cual Sansón (con una Dalila como Rachel Weistz) el pelo de su frondosa barba.

Pero todo eso es teoría misma. El caso es que incluso Amenábar le hizo caso, y durante el rodaje de “Ágora”, el director español se dejó crecer la barba. ¿Qué argumentos utilizó Darren para convencerlo? ¿O quizá es que Alejandro se acojonó porque tenía a la mujer de Aronofsky en el reparto y decidió hacerle caso?. No se a vosotros pero todo esto a mi me parece de lo más enigmático.

El caso es que, como muchas de las personas más cercanas a mi sabrán, estoy preparando un cortometraje que comenzaré a rodar en breve si no pasa nada (que esperemos que no, porque con estas cosas nunca se saben) y hoy, he sido fruto de una maldición. La he llamado “La maldición Aronofsky” (aunque “La maldición de Darren” también suena muy bien, a lo Damian, pero bueno). Y es que, ya con una frondosa barba, hoy he decidido afeitarme. En el fruto de ese afeitado, he sufrido un profundo corte en la cara que ha sangrado como si yo estuviese saltando en el tiempo en “Lost”, y de pronto me ha venido a la cabeza Aronofsky. ¿Tendrá razón ese maldito? ¿Todavía estoy a tiempo de dejar crecer mi barba antes del rodaje del corto?. No se qué pensais…pero yo estoy aun sorprendido. Más incluso todavía por escribir semejante parrafada de un hecho tan chorra.

"UNA VEZ A LA SEMANA: PELÍCULA MARCIANA" (I)

2009-08-18T05:14:00.000-07:00

Inauguro sección, no confirmo su permanencia ni periodicidad, lo que si que puedo decir es que tengo almacenadas tantas películas “marcianas” por ver, que la cosa gusta y tengo ánimos, la cosa promete. Pero a lo que vamos. Comenzaremos por una rareza protagonizada por un panzudo Gerard Butler y una morbosa Sarah Polley.

Se trata de “BEOWULF & GRENDEL”.

"Panzudo tu padre"

En un tiempo indeterminado entre el Beowulf de Christopher Lambert y el de Robert Zemeckis (entre los cuales sobra decir que hay un abismo insalvable), se realizó una noruega rareza protagonizada por los citados, al que habria que añadir al fantástico secundario Stellan Skaasgard como Rey Hrothgar. Lo de rareza es un decir, ya que estamos ante un (tele) film correcto e incluso con cierto encanto. La historia de por sí ya es sabida, pero la producción carece de la impronta visual que Zemeckis aportaría a su versión. Lo que más destaca es el tratamiento de Grendel, y es que nada tiene que ver con el Crispin Glover de Zemeckis (de lo de Lambert es que ni hablo). Estamos ante un Troll bastante humano, quizá debido al bajo presupuesto de la cinta, por lo que se pierde gran parte de credibilidad en cuanto a sus fechorías. Sí, es más fuerte, pero no llega a ser un monstruo. Sin duda, lo más destacable es la aparición de Sarah Polley como “hechicera prostituta”, más enigmática que nunca.

El segundo título es mucho más bizarro que el anterior, una obra parcialmente desconocida para el gran público pero con componentes creativos de alto standing, e incluso reivindicable como obra de culto. Me refiero a “GOTHIC” del británico Ken Russell.

Te queremos, Gabriel

Lo cierto es que el tema siempre me ha resultado atractivo, he leído muchos libros al respecto así como visionado algunas de las películas que plasman el tema de la creación del mito de Frankenstein por parte de su autora Mary Shelley. Empezando por el guiño de la genial “La novia de Frankenstein” en su prólogo y siguiendo por la irregular “Remando al viento”, con un improbable Hugh Grant como Lord Byron.

Los legendarios hechos que se produjeron en Villa Diorati entre Shelley, su marido, Lord Byron y el amargado Polidori para que de sus perturbadas mentes saliesen tales obras siguen siendo en gran parte un misterio. O eso es lo que nos gusta pensar.

En “Gothic” Ken Russell cuenta con un reparto mucho más espectacular que Suarez, al dar el papel de libertino Byron a Gabriel Byrne, Natasha Richardson como una Mary que se acerca más a Drew Barrymore en “Scream” que a escritora alguna y el genial y caricaturesco Timotty Spall (actualmente en muchas obras de Tim Burton o en películas como la saga “Harry Potter”) como Polidori. El resultado son caricaturas andantes por una mansión que se parece más a la fabrica de chocolate de Willy Wonka que a un palacio gótico (aunque cuando debe parecerlo, lo parece). Aun así, Russell se las apaña para convertir los demonios de sus protagonistas en auténticos móviles de película de terror muy B. Original de 1986, en la cinta se notan las influencias del Raimi de Posesión Infernal, entre otros, lo que dota al conjunto de un tono realmente expresivo (agotador a ratos) pero muy interesante.

Si tenéis la oportunidad y ganas de revisar sendas curiosidades, me comentáis.

"Nueva York para principiantes". Comedia romántica...¿masculina?

2009-08-17T04:15:00.000-07:00

Cojamos a Sim Pegg. Guay. ¡Oh! Y a Jeff Bridges. Requeteguay. Aliñémoslo con Megan Fox y Kirsten Dunst. Chupiguay. Y ahora mezclémoslo todo con Nueva York como escenario, y la trama de un paleto inglés que quiere triunfar en el mundillo de la prensa de famosos. No tan guay.
Y es que, lo que pretende “Nueva York para principiantes” no es otra cosa que erigir a un hombre como protagonista de tramas demasiado parecidas a películas como “El diablo viste de Prada”, y la jugada le sale bien a medias, por no decir a un tercio. Y es que, el siempre brillante Simon Pegg, es aquí más estúpido que nunca y no llegas a identificarte con él hasta la mitad de la película (que dura dos horacas). Sus gracias resultan de un Jim Carrey en horas (muy) bajas y la mayoría de chistes del primer tercio de película no logran arrancarte la más mínima sonrisa (salvo alguna que otra aparición estelar). Es a la mitad cuando la cosa remonta el vuelo, ofreciendo dimensión al personaje de Pegg y enhebrando situaciones más ingeniosas que el histriónico Pegg bailando como un cosaco en un disco-pub. Por su parte, la carnaza la pone Megan Fox, que aun así está divertida “autoparodiándose” y Kirsten Dunst cumple. Lo más divertido del film es, sin duda, que aunque se introduzcan motivos dramáticos, siempre existe un contrapunto cómico donde se nos deja de manifiesto la naturaleza burlona de los personajes. Cabe destacar la secuencia de Kirsten Dunst durmiendo, realmente sencilla y brillante. Es una pena que este tono que se perfila hacia el final (y que aunque en el ultimo plano resulte de lo más forzado, funciona) no se estableciese desde el principio. Y es que, son secundarios de lujo como el propio Bridges o incluso la recuperada Gillian Anderson, el barco llega finalmente a buen puerto. Lo único malo es que no sabemos si es que el puerto es bueno o es que el lugar de partida era demasiado malo.

"ENEMIGOS PUBLICOS" Michael el honesto

2009-08-14T16:56:00.000-07:00

El plano final de “Enemigos públicos” resume por completo el espíritu de la nueva película de Michael Mann. Intentaré explicarlo sin soltar los temidos Spoilers. Entre acabar la película con el corazón, o hacerlo con la cabeza, Mann escoge claramente el segundo camino. Podría haber terminado su obra con el bellísimo rostro emocionado de uno de sus personajes, pero, al contrario de cómo hubiese hecho cualquier otro director, elige cerrar su historia con un nada estético plano de una puerta cerrándose frente a una cámara en mano que se agita de manera profusa. ¿Por qué?.
Seguramente sea porque Michael Mann sea un perro viejo, que ha aprendido a tener los pies en la tierra y no nos quiere vender milongas emotivas. La segunda parte es real (la primera puede que incluso también), pero el no mojarse emocionalmente, creo que responde a otro tema. Estos personajes existieron. Como ya hizo con “Alí”, Mann cree que la mejor manera de abordar la historia de John Dillinger, es desde la distancia. Tanto formal como interpretativamente, Michael Mann consigue aquello que muchos directores actuales olvidan. Ser honesto. Y ese es el punto flaco de su última obra maestra, si no entras en el juego, estas perdido. El resultado final, es un film asombrosamente frío, donde nada esta planteado de manera artificial. Los mecanismos propios del cine de género que podrían haber hecho de “Enemigos públicos” otra (buena) película más de gangsters brillan por su ausencia, ofreciendonos secuencias brillantes, pero tan poco pasadas por el filtro del espectáculo que resulta difícil que el espectador medio se sumerja en los hechos. Y ojo, yo lo he hecho, y mucho, pero no es de mi de quien hablo en las anteriores líneas. Eso lo haré a continuación.
Personalmente, me ha parecido que la frialdad antes citada dota a la película de una fuerza apabullante, directa, natural y muy poco manipulada.
El uso de la cámara digital encuentra el término medio y son muy pocas las veces donde te des cuenta de que aquello es vídeo (solo en las secuencias con gama cálida, ese gran escollo a superar). La puesta en escena está a medio camino entre la narración clásica y el documental, encontrando el punto justo perfecto, lo que es muy de agradecer. En el terreno interpretativo, quien más brilla es la francesa Marion Cottillard, aunque quizá dicho brillo también se deba a que su personaje es el más humano, un bálsamo dentro de el despliegue de virilidad, autosuficiencia y acción que se marcan Depp y Bale.
No será un éxito de público, eso está muy claro, por las razones que antes citaba, pero sin duda, es una de las mejores cintas de Mann y un título a tener en cuenta con vistas a futuros premiecillos.

"UP" Sí, en serio es tan buena

2009-08-10T01:30:00.001-07:00

Lo de los chicos de Pixar no es normal. Tras conseguir con Wall –e, minutos de puro cine concentrados en una (aparente) película de dibujos animados para niños, con “Up, no solo mantienen el nivel, sino que consiguen un híbrido perfecto entre su último y a la vez primeros trabajos. “Up” es la reconciliación perfecta de Pixar con el gran público (recordemos que “Wall-e” fue más reconocida entre la crítica que entre el público) sin renunciar a contarnos las historias más conmovedoras que puedan hacernos sentir muñequitos digitales. Es realmente paradójico que, precisamente, lo consigan con diseños más cercanos al dibujo animado que a la reciente oleada de verosimilitud tridimensional que se apuntaba con “Final Fantasy” hace una década y resiguió con “Beowulf” hace un par de años. Saben lo que hacen, y aquellos magnates que apuntaban a que una película protagonizada por un viejo en el ocaso de su vida sería un fracaso estrepitoso, se estarán tirando de los pelos.

Y es que, si bien en los últimos años, Pixar ha realizado autenticas obras maestras, no obstante, estas se habían visto resentidas entre el gran público, más proclive a los chistes de “caca-culo-pedo-pis” de la factoría Dreamworks o derivadas. Estas otras compañías, si bien son divertidas en ocasiones, juegan en segunda división, y no solo en cuanto a nivel técnico (algo que es evidente). Donde las otras no se arriesgan, Pixar te planta un comienzo de 10 minutos sin demasiado diálogo contándote toda una vida (muerte incluida). Sutil, pero desgarrador y maravilloso. Resultan tremendamente humanos, tanto en lo emotivo como en lo cómico, porque (no nos engañemos) “Up” es también la película más divertida de Pixar en varios años.

Señores de Merchandising, yo SI quiero un muñeco del Sr. Friedricksen

La historia es bien conocida por todos aquellos que no hayan estado recluidos en una caverna (sin Internet,ojo) durante los últimos meses. Un anciano ata su casa a millones de globos y sale volando ante una realidad circundante que le es adversa, donde se siente solo y desamparado tras la ausencia de Ellie, su alma gemela. Tan solo esta metáfora ya es sobrecogedora. Y es que, cualquiera que tiene, o haya tenido abuelos, sabe lo arraigados que están a su hogar. Karl Friedricksen no se separará jamás de su hogar, lo llevará a cuestas si hace falta, como un último tesoro del que no puede (ni debe) desprenderse. Las referencias visuales a Miyazaki o incluso “El mago de Oz”, son evidentes, consiguiendo una identificación fascinante, y, aunque parezca mentira, nueva. A partir de entonces, los gags se van sucediendo, y el anciano se verá envuelto en una serie de peripecias que pondrán a prueba esa vida de aventuras con la que él y su mujer siempre habían soñado.

Posiblemente menos arriesgada que Wall-e, “Up”, supone no obstante una verificación de que, Pixar y Disney no son en absoluto lo mismo. Mientras los segundos no son más que una industria que pone su sello a películas y productos de consumo rápido para niños, los primeros se encargan de mantener la dignidad de los primeros, haciendo cine con alma, planteándolo como CINE de acción real, más que como meras tiras animadas (que también). Esta película supone, además de una transición a la muerte como aventura, uno de los mejores manifiestos sobre la necesidad de seguir adelante y lo fundamental de la vida como experiencia compartida, además de eso tan bonito de formar tu particular “familia” de quien nunca esperaste. Y eso que no se menciona la maldita palabra en toda la película.

PD: El corto que la precede, “Parcialmente nublado”, otra joya por la que no llegar tarde a la sala.

"Parcialmente nublado"

"ARRÁSTRAME AL INFIERNO"...y házmelo pasar como nunca

2009-08-02T16:14:00.000-07:00

El miedo y la risa, son sensaciones extremas y, en apariencia diametralmente opuestas. Hay personas que sonríen ante el hecho de sentirse desprotegidas, ante el sentimiento de que una amenaza puede hacerles daño. La risa nos hace sentirnos más fuertes…y eso es precisamente lo que la heroína de ese genio que todavía es capaz de conseguir que estos sentimientos antagónicos coexistan en un mismo espacio y momento, necesita. Fuerza.
Christine Brown (Allison Lohman) es un personaje inseguro, la mejor victima para el miedo. Currante de banco, novia de un chico triunfador, desde la primera aparición de su voz en la pantalla recitando los sonidos de una cinta de auto-confianza, nos queda claro que tiene serios problemas de seguridad. Cada pincelada, escrita o propiamente visual, nos dibuja al personaje de manera magistral, desde sus problemas con la comida hasta su pasado familiar. Tomar decisiones es difícil para ella, y el mundo que se presenta a su alrededor es realmente hostil. Todo ello empeora cuando, precisamente por tomar una decisión que en teoría le ayudará a vencer dicha inseguridad, esto no hace otra cosa que acarrearle multitud de situaciones mucho más peligrosas que aquella que al comienzo de su “aventura” le parecía impensable.
Idea sencilla pero tremendamente efectiva, Raimi, aparte de demostrar que está en plena forma, logra aunar algo tan difícil como el horror y la comedia, y por si fuese poco, nos ofrece autenticas secuencias donde el dilema moral de la protagonista alcanza cotas verdaderamente emocionantes. En “Arrástrame al infierno” se deja patente de manera definitiva aquella premisa de la que tanto hablaba Spielberg, que no es otra que someter a personajes mundanos a situaciones que se escapan por completo de su control.
Pero ojo, no estamos ante una nueva “Posesión infernal”. No nos engañemos. Estamos ante algo que ha evolucionado. Ya en la primera entrega de la famosa trilogía, Raimi dejaba patente su facilidad para crear personajes verosímiles en situaciones realmente desagradables (hablo de la primera pues las otras dos, aunque divertidísimas, son tan desenfadadas que no hay espacio para esto), pero es ahora cuando eso toma cuerpo, después de que el cineasta haya dirigido peliculones como “Un plan sencillo”, por ejemplo. En su cine, hay espacio para todo, y es ahora cuando todo está en su justa medida.

Por ello, es de agradecer que el director no intente imitarse a si mismo, sino que fusione el estilo que tan famoso le hizo en su momento en las secuencias que lo requieran, consiguiendo una incomodidad y una sensación de pesadilla y fiebre como sólo él sabe hacer. Con una puesta en escena de 10, una música arrolladora y un tratamiento de sonido que es el auténtico protagonista del 70% del malestar,“Arrástrame al infierno” crea expectativas en cada una de sus secuencias, y no siempre son resueltas. Posiblemente estén por debajo de lo que muchos aficionados a su cine estén esperando. Pero es expectación de la que hace que se te acelere el corazón, te encuentres intranquilo en la butaca…y que si se resuelve con una buena sonrisa, mejor que mejor. No espereis ver a Ash cortando cabezas con una sierra, la protagonista de esta historia se llama Christine Brown y necesita de vuestro horror y risas para vencer su propio miedo. Los míos , los tiene ampliamente ganados.

QUARANTINE: COPISTERÍAS DOWDLE

2009-06-15T04:38:00.000-07:00

Érase una vez, un niño llamado John Erick Dowdle. El joven, estaba fascinado desde pequeño con algo que, en apariencia, carecía de todo componente artístico: Las fotocopias. Durante su niñez, se pasaba un día tras otro en la vieja máquina fotocopiadora de su padre, repitiendo panfletos una y otra vez. Le hipnotizaba todo lo relacionado con la copia, el plagio, el ineludible calco del original. Lo que el pequeño Johnny jamás pensó, es que su obsesión por repetir lo ya hecho, sería mundialmente aceptado y difundido a principios del Siglo XXI. Así, Hollywood comenzó a hacer lo mismo que Johnny con su máquina de fotocopias, pero con películas, y él, vio la oportunidad de sumarse al negocio. Al fin y al cabo, era lo que mejor sabía hacer. Pronto, el ya crecido Dowdle tuvo la oportunidad de copiar una película. Se llamaba “Rec” y venía de un lejano Reino llamado “España”. Él no sabía demasiado del lugar, pero su especialidad lo superaba todo. Sus jefes le dijeron que debía ser “completamente fiel al original”, y él así lo llevó a cabo. Tan solo se cambió el título, por el de “Quarantine”. Contrataron a la chica guapa (y posiblemente lo único talentoso del filme) de Dexter y se pusieron a la obra. Todo parecía cronometrado, pero había un problema, y es que esto no era como la máquina de fotocopias de antaño, ya que dependía de más cosas que el original. Se llamaban “Seres humanos”. Así, en algunos momentos, Dowdle introdujo inconscientemente pequeños destellos de novedad, pero se auto-reprimía a continuación. Había que ceñirse a lo que los ejecutivos le habían dicho. Si en el original no se podía salir del edificio, no se podía salir. ¿A qué cuento venía sacar a los militares del exterior?. Caca. No se podía aportar nada nuevo. De esta forma, lo poco novedoso de la película, siguió dando paso a la fotocopia plano por plano del original, e incluso (como si de correcciones a tippex se tratase), omitiendo algunos datos claves en el ultimo tramo. Dowdle quedó muy orgulloso del resultado, pero lo que no sabía, es que toda fotocopia pierde en su multiplicación hasta desaparecer la tinta del papel.

REVIEW: "ANGUIS (Angustia)". Bigas Luna y el metalenguaje del terror

2009-06-12T03:19:00.001-07:00

Hace bien poquito, las habituales noticias de remakes, reebots y demás (RE´S) Americanos, se detenían en una película española de principio de los 80, “Angustia”. Quizá a muchos les sorprenderá leer que es de terror, pero les sorprenderá más todavía si les digo el nombre de su director: BIGAS LUNA. Como lo leen. Así, Sam Raimi (director de culto por su saga “Evil Dead”, y denostado por muchos por su saga de “Spider-man”) se encargará de producir el Remake de este desconocido clásico de género de nuestro cine. Así pues, la cinta merecía un Review…y no pierde con el tiempo, al contrario. No describiré aquí demasiado la trama, tan solo apuntaré que los poco experimentados espectadores de aquella época, no eran quizá del todo consciente de la experiencia meta-cinematográfica a la que el señor Bigas Luna les estaba sometiendo. En apariencia, tan solo nos encontramos ante otra revisión más del psicópata dominado por su madre (la mítica Zelda Rubinstein), un torpe oculista el cual es hipnotizado por ella para extraer los ojos de algunos de sus pacientes y, posteriormente, de todo el que se ponga por delante. Con este argumento, Luna teje un discurso muy próximo a Hitchcock e incluso De Palma (la película parece a ratos casi una revisión del manierista discípulo del maestro del suspense), pero es en su propuesta final donde el cineasta catalán se convierte en visionario. Como en su momento “Arrebato”, “Angustia” trata sobre la hipnosis del propio cine, sobre el efecto que este puede causar en las personas, manipulándolas, sumergiéndolas en un estado de ensoñación extremo al que el propio espectador está también expuesto. Es sin duda una película difícil, adelantada a su época, y de la que beben secuencias clásicas del cine contemporaneo como la que abre la secuela de “Scream”, por poner un ejemplo. Cine dentro del cine, dentro del cine, y dentro de tu mente, para quedarse eternamente. Ya que no he tenido el placer de verla repuesta en ningún ciclo filmotequero, estoy deseoso de que llegue el remake, aunque sea para vivir la experiencia en primera persona…aunque está claro que, como de costumbre, no le llegará a la suela de los zapatos.

"CORALINE" Magistral lección de animación Freudo-Kafkiana

2009-06-09T03:10:00.001-07:00

Para algunos, el nombre de Henry Selick no dice nada. Es más, ayer asistiendo a uno de los pases de tarde de “Coraline” en unos apartados centros comerciales, todo el público daba por hecho que estábamos ante una película de Tim Burton. Nada más lejos de la realidad. La fascinante historia (en apariencia infantil) de “Coraline” escrita por Neil Gaiman ha sido adaptada por Henry Selick de forma completamente personal. La historia, como ya muchos sabréis, cuenta la desidiosa vida de una inquieta niña en su nueva casa. Sus padres están demasiado ocupados para satisfacer sus caprichos, y la existencia le resulta de lo más amargada. Se trata de una niña caprichosa, que encuentra en la pequeña puerta tapiada de su nuevo hogar, un portal a otro mundo más satisfactorio que en el que vive. Pero toda satisfacción conlleva un enorme (y malsano) sacrificio.
Con esta premisa, Selick, da rienda suelta a su imaginación, consiguiendo imágenes de verdadera pesadilla. Desde Van Gogh a Kafka, pasando por el inevitable Carroll, la historia no dejará de ser una revisión de “Alicia en el País de las Maravillas” para los que no vean más allá, y aún así, razón no les faltará. Pero se ofrece más que eso. Muchísimo más.
Todo en el film huele a cuento, a libertad artística absoluta, carente de miedo por parte del autor por ser señalado como precursor de terrores infantiles a través de bellísimas imágenes de postal, tétricas y coloristas a la par, y (por qué no decirlo) la transmisión de estas por el filtro más comercial del 3-D. Y no es “Coraline” una película hecha por y para disfrutar sus tres dimensiones. El tempo es más bien lento, transmisor perfecto de la desidia de la niña, y lo que provoca que sus inmersiones en ese nuevo y fascinante mundo sean tan deseados por ella misma como por el público. Pero lo mejor, es la vuelta de tuerca que ese mundo le tiene preparada. El visionario director, consigue imágenes realmente pesadillescas, que van mucho más allá de las aventuras de Jack Skelletor. Y es que, es una niña real la que ve como su madre se transforma en una anoréxica bruja con cuerpo de araña que amenaza con comérsela (Freud podría hacer una tesis doctoral con estas secuencias) o como su padre es un auntentico pelele sin personalidad, como un mísero muñeco de trapo entre otras lindezas. Y es que, Selick consigue llegar a lo más hondo de los terrores infantiles (la secuencia en la que la niña se inventa a sus propios padres con almohadas para no sentirse sola es realmente desgarradora), y logra llevarnos a ese espacio subconsciente de la infancia, la indefensión y la más absoluta de las incertidumbres ante algo nuevo. Desde luego, no es necesario (ni tan si quiera se debe), ser un niño para disfrutarla.
Realmente sobresaliente.

"TERMINATOR SALVATION" Hace, por los pelos, honor a su nombre

2009-06-05T17:10:00.000-07:00

Llega la superproducción mega-robótica del verano. No, no es “Transformers 2”, es “Terminator Salvation”. Las retomadas aventuras de John Connor tras la nefasta tercera entrega perpetrada por Jonathan Mostow se han estrenado este mismo dia en las carteleras españolas tras saldarse con un relativo fracaso en EE.UU. ¿Es esta una buena o una mala señal teniendo en cuenta que en este país “Beverly Hills Chihuahua” desbancó a “The Dark Knight” en el numero 1 el verano pasado?.

Pues bien, vayamos por partes. En esta nueva entrega, tenemos a McG (director con nombre de punto G en forma de hamburguesa), artífice de “Los ángeles de Charlie” y su secuela, que esta vez cambia los coloridos culos de Diaz, Liu y Barrymore por los desaturados musculazos de Bale, Worthington, en un post-apocaliptico mundo dominado por las máquinas, como todos aquellos que vimos las anteriores entregas ya conocemos. Y precisamente esa es la principal virtud de la película, contar con que ya lo conocemos. Por primera vez en la saga, se prescinde de repetir el esquema deudor de la primera parte, que tan ridículo resultaba en la tercera, para redefinir aquí la saga, con un principio no excesivamente brillante, pero sí con un inicio general de gran altura. Secuencias como el plano-secuencia del helicóptero del comienzo, ya merece el precio de la entrada, y desde luego, el conjunto general resulta digno. No obstante, hay secuencias insulsas que sobran por completo, como la famosa aparición digitalizada del T-800 (con el rostro de Gobernator), que no aporta demasiado y hace que los brillantes efectos de la película resten muchos enteros. Por otra parte, aunque los actores cumplen, se nota frialdad en las secuencias emotivas, y la épica brilla por su ausencia en la mayor parte del metraje, siendo metida finalmente con calzador de manera algo torpe. Eso, y un giro realmente predecible a mitad de la película, le restan un resultado final mejor. No obstante, asistimos a la resurrección (y como su nombre indica, una "salvación", en gran medida) de una gran saga, que se merece una segunda oportunidad (citando frases textuales del guión) en su secuela. Esperemos que, en el caso de que haya una segunda parte, no se conformen con hacer una digna película de acción, sino que vayan más allá como ya hizo James Cameron en su momento.

¡Por "SPACE OPERA" Digno!

2009-05-21T10:33:00.000-07:00

Pues ya va siendo hora de volver, ¿no?. Y es que ha pasado ya casi un mes desde que no escribo aquí…y ya se nota. Ha llovido bastante, mi viaje a Ibiza a estado genial, y bueno, en un orden menor de cosas, DARK LOLAILO ha sido eliminado de TEASERLAND…jajajajaja. Algún día llegaría, pero estuvimos entre los 10. Ya no os daré la lata más con él, fue una gran experiencia…pero ahora hay que ir a por otras. Y ya que hablamos de grandes experiencias, ¿por qué no hablar del hombre de la foto?. Los que me conozcáis me llamareis cansino, pero es que no puedo dejar de demostrar mi amor por J.J. Abrams, más aun después de ver la maravilla que ha realizado con “STAR TREK”. El impresionante lavado de cara de la franquicia, que con tan solo sus 5 primeros minutos se mea en toda la nueva trilogía de “STAR WARS”, merece una ovación. Ya lo hizo con “M:I 3”, y con esta repite fórmula. Muchos dicen que no es más que un director de “MEGACAPÍTULOS” de televisión para las salas de cine…y no les falta razón. Es más que curioso que sus, hasta ahora, dos únicas incursiones en el largo, sean versiones de programas televisivos, con más o menos proyección cinematográfica. Y es que está claro que J.J es un hijo catódico…como en su día lo fue Spielberg con sus magníficos telefilmes. El buen Steven me libre de comparar a J.J con él, pero lo que sí que es cierto que lo de este hombre, es una lección para cualquier industria. Con “STAR TREK”, recurre a una original pirueta , típica por otra parte, del género de ciencia ficción, para transmitir a los no iniciados (como yo), en el universo “trekkie”, los cimientos de dicho mundo. Y lo hace de una manera cercana, centrándose en el componente humano, como hace en todas sus producciones. Se trata sin duda de un artesano con formas de nuevo gurú televisivo, al que le importa mucho más los dilemas existenciales de sus protagonista que la acción que se desarrolla. Pero lo que es más importante, la cinta es mortalmente entretenida. Lo cierto es que no puedo dar una opinión de fan acérrimo, pero conmigo ha consegido captar el interés en algo que, de otra forma, habría pasado sin pena ni gloria por mis retinas. Tampoco es que con maravillas como “Lobezno”, entre otras lindezas, en las carteleras, le exija mucho más a una película que el mero entretenimiento…pero cuando detrás de este se ve mimo, cariño, ilusión y frescura…no se puede pedir más.

PD: ¿Alguien ha visto a RD-D2 en algunos d elos planos de “STAR TREK”? Si es así, aun estáis a tiempo de participar en el concurso que ha organizado Abrams. O visionar la película de nuevo a ver si lo encontráis…Si es que este tío es una maquina de hacer dinero. He dicho.

MI REGRESO AL MUNDO DEL COMIC

2009-04-28T03:48:00.000-07:00

Os presento al gremio víctima de mi vuelta al comic.
LAS AUTOESCUELAS.
Como adivinareis, será en parte autobiográfico, y en una parte aun mayor, pura fantasía y especulación. El motivo, el creajoven de este año. Hacía años que no dibujaba un comic y le estoy retomando el gustillo.

A FALTA DE UN PELDAÑO...

2009-04-28T03:46:00.000-07:00

Pues sí. Empezamos bien la semanita, descubriendo que el falso trailer con el que tanto os he dado la lata "DARK LOLAILO", sigue una semana más en TEASERLAND, aguantando la criba. De hecho, tan solo queda un eliminado más para estar entre los 10 primeros. El honor sigue creciendo hasta nuevo aviso, cuando éste sea eliminado. El de esta semana, de hecho, ha caido uno de los favoritos de muchos: "La laguna del monstruo". De momento, habrá que disfrutar, y esperar que no sea eliminado durante mi próximo viaje a Ibiza el próximo Jueves. Por lo que digo que, si comprobais su eliminación el próximo viernes, ¡no me lo digais o me amargareis el viajecito!. Por cierto, aprovecho para decir que, si comentais algo que merezca la pena ser visto en Ibiza y/o Formentera, no dudeis en decirmelo.

"MALAS VENTAS", DE ALEX ROBINSON

2009-04-24T03:16:00.000-07:00

Aqui os dejo con un fragmento del comic que a mayor velocidad he deborado. Pero no por ello estamos ante algo de lectura rápida. Al contrario. Estamos ante el elenco de personajes mejor definidos desde hace mucho tiempo, inmersos a su vez en una historia tan cotidiana que engancha. El único pero, podria ser un final no al gusto de todos. Quizá demasiado agridulce para el tono general de la historia. No obstante, de los mejores comics que he leido ultimamente. Lo cual me viene que ni pintado, pues he vuelto a mi faceta comiquera como dibujante, a ver si hay suerte en el Creajoven de este año...ya que no puedo presentarme por cortometraje...

"BLINDNESS". La estética de la nada.

2009-04-23T08:29:00.001-07:00

Como en la mayoría de casos de adaptaciones de libros a la gran pantalla, no puedo opinar en el transvase de imágenes que Meirelles ha llevado a cabo con “Blindness” a raíz de su homóloga en papel “Ensayo sobre la ceguera”, de Saramago. Por ello, comentaré la cinta del director brasileño desde aspectos puramente cinematográficos y/o narrativos respecto a la película en sí misma, sin ningún tipo de comparación (que por otra parte, creo que debería hacerse con todas las películas, estén basadas o no en algo que las preceda). Sin duda, el mayor riesgo del nuevo proyecto del director de “Ciudad de Dios”, era no parecer una distopía más, con seres humanos similares a zombies dando tumbos de acá para allá. Es un cometido difícil, por lo que cabe comenzar con un aplauso para el valiente cineasta, que se atreve con una propuesta más sensitiva que narrativa, ofreciéndonos un brutal ejercicio de dirección. La, a ratos, dispersa trama, donde no existen personajes que tengan un cometido concreto y/o misión con la que identificarnos que tan en boga han puesto todas las escuelas cinematográficas clásicas, es sin duda un gran lastre, salvado por inconmensurables intérpretes como Julianne Moore, Mark Ruffalo o Gael Garcia Bernal entre otros. El director utiliza la luz, el trasfoco, la oscuridad y el sonido de una manera excesiva, incluso desagradable en muchos momentos, aunque en mi opinión, eso es precisamente lo que se pretende. El aparente caos en la puesta en escena, está en este caso a favor de las sensaciones que la historia quiere transmitir, consiguiendo escenas de una gran fuerza emotiva sin necesidad de más conflicto que el que se presenta en la sinopsis. Las lecturas de esta arriesgada propuesta son más que evidentes durante su visionado, subrayadas (para algunos de forma reiterativa, personas entre las que no me incluyo), por la voz en off del personaje de Dany Glover. Aun sin haber leído la novela, creo que ese detalle extradiegético es vital para el tono y la fidelidad del propio filme con su texto, que no debemos de olvidar que es un ensayo. Es decir, una exposición de ideas, estudio o divagación científica en gran medida. Con sus pros, y sus contras, un interesante film, pero cuidado, su sugestión es contagiosa. Tranquilos, no os quedareis ciegos precisamente.

"A VAMPYRE STORY", ¿estará a la altura?

2009-04-22T03:14:00.000-07:00

Pues ya está en mis manos (o mejor dicho en mi disco duro), la nueva aventura gráfica dirigida por Bill Tyler, creador de mitos como "A curse of Monkey Island" o "The Dig" entre otros. Tras separarse de LucasArts, que como todos sabemos se dedica en cuerpo, alma, y monedero a la saga STAR WARS, hoy y por siempre, fundó Auttum Moon para ofrecernos maravillas visuales como esta. Esperemos que esté a la altura y estemos ante un resurgir de un género tan denostado actualmente como al Aventura Gráfica, del cual, el ultimo que realmente disfrute fue el excepcional "The abbey", y tengo por jugar "So Blonde" (de los creadores de Broken Sword) y "Mata Hari" (estos últimos, guionistas tambien de "Indiana Jones and the fate of Atlantis", clásico entre los clásicos). Y es que no solo de cine vive el hombre.
Pero sí de historias.Aquí las mias:

http://www.youtube.com/watchv=hjsiQUmIceA&feature=channel_page

http://www.youtube.com/watch?v=hymtaUBcTSI&feature=channel

"IM THE NEXT"

2009-04-20T01:26:00.001-07:00

Volvemos de fin de semana. Una nueva semana, sin fiestas, sin spots, ni guiones, ni cortos...pero con trabajo de cámara. Hoy empieza la semana de la interculturalidad en La Nave, y allí estaremos para documentarlo, dentro del programa "Jóvenes, inmigración e integración". Y es que el caso es no parar, como dice /abominablephibes. El próximo reto, escribir un relato y preparar un cómic para el certamen "CREAJOVEN" de Murcia. Ya que al ser ganador de una anterior edición, no puedo presentarme a cortometraje. Por cierto, hablando de todo un poco, en Teaserland parece que van tomando carrerilla, y ya han eliminado unos cuantos trailers más. Entre ellos, uno muy sencillito, el de Rodrigo Plaza ("La profesional"), un chaval majisimo y super humilde que conocí en la proyección de Madrid, y con el que daba gusto charlar. De momento ahi seguimos, después de que hayan caido:

- "THE NOA PROYECT"

- "DOS LOCOS EN MAR DE PLATA"

- "SERINIA"

- "UNDEAD UNION"

- "BLINK"

- "LA PROFESIONAL"

- "SHE"

Lo cierto es que esto es un honor, donde cada vez que eliminan a uno, es como otro pequeño gran premio, y más si están tan curradisimos como algunos eliminados. Hablando de esto, los trailers se podrán ver en el Festival de Málaga estos días, proximamente en el Festival de Cine Fantastico de Bilbao, y al parecer, como cuenta Xavi Bru en http://www.teaserland.com/ habrá una gala final con los directores invitados y todo. No se yo si resistiré para entonces, ya que todo indica a que, como diría el prota de mi lectura de fin de semana...I´M THE NEXT.

PD: Lectura de fin de semana "FROM HELL" de Allan Moore y Eddie Campbell. Lo tenia pendiente hace siglos, y lo cierto es que me ha fascinado. A veces el dibujo se pasa de abocetado, y William Gull de parlanchin, pero en conjunto, es una gran obra, sin nada que ver con su análoga en en cine (y eso que me entretuvo). Ahora vamos con "Malas ventas". Saludetes.

Todo lo concerniente a mis trabajos vacacionales aqui:

http://murciaencuentrasuestereotipo.com/

http://www.cinemavip.com/

"NO TYPICAL HORROR" YA ON LINE

2009-04-16T01:08:00.001-07:00

Pues aqui lo teneis. Mi periplo de spots termina de momento con este "terrorífico" anuncio para el concurso de "MURCI: NO TYPICAL". Lo cierto es que ha sido una hazaña, tres spots, dos de ellos con el brazo en cabestrillo. No pretendo dar pena, pero si me lo hubiesen dicho hace unos meses no me lo hubiese creido. Retos que se pone uno de vez en cuando. Lo mejor es que, me den algun premio o no, estoy muy satisfecho con el resultado. Disfrutadlo.

Web oficial: http://murciaencuentrasuestereotipo.com

Y en Youtube: http://www.youtube.com/watch?v=hjsiQUmIceA

"¡LO SABE TODO EL MUNDO!": Introducing JUAN CARLOS RODRIGUEZ

2009-04-13T01:41:00.000-07:00

Buenas nuevas semanas. Aqui andamos promocionandonos de nuevo, esta vez con el spot que he realizado para el concurso de Cinemavip "¿Dónde están los bornes?", que organizan los cines UGC Cine Cité. Abajo teneis el enlace. La verdad es que para estan con el brazo en cabestrillo, improvisar el croma en cero coma (o croma, si nos hacemos los graciosos), y tal, no ha quedado mal. Es cierto que el croma ha sido algo deficiente en su resultado final, pero el tiempo apremiaba, y lo hice lo mejor que pude. Desde aquí, espero que os guste, y quisiera dar las gracias a mis actores, personas con nombres, apellidos e incluso apodos, que hicieron un hueco en sus vacaciones para aparecer o sencillamente echarme la mano y el brazo que me faltaban para este pequeño sketch. Escu, Tapas, Sergio, Silvia, Madre, Manulo! Muchas gracias a todos.

AQUI EL SPOT: http://www.cinemavip.com/users/ruben-bautista/videos

Y muy pronto esta semanita: ¡NO TYPICAL HORROR!

NUEVOS SPOTS, PROXIMAMENTE AQUI

2009-04-09T03:07:00.001-07:00

Pues si. En menos de dos días "NO TYPICAL ADVENTURE" ya ha superado los 100 visionados, que no está nada mal. Por si aun no lo habeis visto, aqui teneis el enlace.

http://murciaencuentrasuestereotipo.com

Este fin de semana, grabaremos el spot de "NO TYPICAL HORROR", a ver qué tal va, pero la cosa promete bastante. De momento, ahora mismo vengo de terminar otro anuncio para el concurso de Cinemavip "¿Donde estan los Bornes?", que por si no lo sabeis son esos expendedores de entradas que teneis "al laico mismo del cine". Si consigo hacer estos dos spots para la fecha tope, el 15 de Abril, será toda una hazaña (y más teniendo en cuenta mi brazo aun en cabestrillo). Y es que a veces, no sabes quien te pone a prueba para sacar adelante las cosas, pero si de verdad quieres hacerlas, LAS SACAS. Saludetes.

"NO TYPICAL: ADVENTURE" YA EN LA RED

2009-04-07T03:40:00.000-07:00

http://murciaencuentrasuestereotipo.com

"NO TYPICAL ADVENTURE"

2009-04-06T02:04:00.001-07:00

Aqui os dejo aquello por lo que anoche me acosté a las tantas, y es que terminé de montar (música incluida a cargo del gran dani) el primer spot de "MURCIA: NO - TYPICAL", el cual ya anuncié aquí, protagonizado por Javi Valera. La cartelera se verá en miniatura en la página, asi que aprovecho para ponerla aqui, en primicia para todos vosotros. Es sencillo, que no os engañe el cartel, y mañana seguramente se podrá ver en la web de NOTODOFILM. Ya os avisaré. Una muestra más que, con hombro o sin él, seguiré haciendo cosicas sin parar!. Saludetes.

"EDEN LAKE" y "ZACK & MIRI MAKE A PORNO"

2009-04-01T01:25:00.000-07:00

Más de 90 películas tengo en mi casa por ver, así que, más vale que vaya haciéndolo de 2 en 2. Tranquilos, no os pondré críticas de todas, pero las dos de ayer me parecieron curiosas.

Por un lado, “Eden lake” resulta una sugestiva nueva apuesta por el cine de horror, escapando de la puesta en escena videoclipera de gente como Marcus Nispel, y acercándose más a la estela de “The descent” (música del inefable David Julián incluida), por poner un ejemplo. Aquí no son montañistas, ni hay monstruitos de por medio, solo adolescentes, que no se que es peor. El film es desasosegante, y se caracteriza por tener un alto contenido moral (e inmoral), sin olvidar nunca que sus personajes son gente de carne y hueso. Las consecuencias de la violencia, la irresponsabilidad y la injusticia se dan la mano en esta brillante película exenta de adoctrinamientos, y que tiene varios puntos en común con filmes como “¿Quién puede matar a un niño?” o “Funny games”. Altamente recomendable.

Por otro lado, “Zack & Miri make a porno”, última (de momento) incursión de Kevin Smith en el mundillo de la comedia sin sus recurrentes personajes del “mundillo de Jersey”. La peli se sustenta en Seth Rogen y Elisabeth Banks, ambos con una innegable vis cómica, amigos de toda la vida que deciden pagar sus facturas, ehm…adivinad como. Todo esto con lo mejor y peor del nuevo Kevin Smith. Está claro que se ha perdido la frescura, sus diálogos ya no son tan brillantes como en los 90, pero es que claro, ya no estamos en los 90. Aunque Smith nunca se ha caracterizado por una excelente dirección (por eso quizá no ha evolucionado tan bien como debería), aquí se marca un par de buenas secuencias y muestra sus habilidades como buen guionista con un plantel de secundarios de antología. Irregular pero disfrutable.

PD: Aparte de todo esto, y corrigiendo mi actualización de ayer, al parecer fue una confusión por parte de mi “fuente” la aparición en El País, y dicha persona se refería a ElPAIS.COM. En cuanto a la eliminación de los trailers, hoy se ha quitado de en medio el primero de ellos, y puedo decir orgulloso que (de momento), Amanda y Ramona siguen entre los 19…pero no cantemos himnos de alegría. El primer elegido ha sido “The Project NOA”.

"DARK LOLAILO" en "EL PAÍS"

2009-03-31T01:12:00.000-07:00

Buenos y lluviosos días a todos. Mi mami me acaba de dar una buena noticia, y es que le han comentado que en el diario "El País" de ayer, salen 18 de los 20 trailers finalistas de "TEASERLAND". No se si esto quiere decir que ya han empezado a descalificar, pues no he visto el periódico por mí mismo, ahora mismo voy a una hemeroteca a ver qué encuentro. Al menos, si así ha sido, me muestro contento de no haber sido el primer eliminado como yo me esperaba. En cualquier caso, la eliminación vendrá pronto, así que disfrutaremos de lo que quede del trailer. De momento, lo he encontrado en la pagina web del mismo diario. Un saludete a todos.

CAMBIO DE HORA

2009-03-28T05:22:00.001-07:00

Esta noche se cambia la hora. Yo sostengo que se adelanta, (pues a las 9 serán las 8) por lo que habrá una hora más de luz, pero parece que nadie se pone de acuerdo con el espacio tiempo a la hora de definir si es atrás o adelante (¡Faraday necesito tu ayuda!). Lo que es seguro es que se trata de una señal inequívoca de la proximidad del verano. Sin duda, mi época del año favorita, ya que todas las cosas parecen más sencillas, efímeras y agradables. Aunque antes llegará la primavera, un gran e inspirador anticipo estacional. Quién me iba a decir esto a mi, que de joven añoraba los cielos grisaceos del otoño. Supongo que conforme maduramos y los problemas son más reales, necesitamos un respiro a nuestro alrededor. Y dejo de ponerme filosófico que es sabado por la mañana.

PD: Esta semana puede que grabe a contrareloj otros dos spots, veremos como sale la cosa. Estarán informados. De hecho, si alguien se presta a ayudarme en materias de sonido, bienvenido será. Eso sí, como todos, por amor al arte.

FINDE DE AVENTURA (PRIMERA FOTO)

2009-03-24T00:46:00.000-07:00

Buena entrada de semanas para todos. Aquí estamos de nuevo dando por saco con los proyectillos. Este fin de semana, mi buen amigo Javi Valera se ha revolcado lo inenarrable por cuestas, pendientes, rocas...y porque hacía buen tiempo y no hubo barro. Él es el protagonista absoluto del primer spot para una campaña de turismo que sin duda, va a tener poco de típico dentro de las campañas de turismo... La cosa fue que el viernes por la tarde, vísperas de la grabación, comencé a encontrarme muy mal, e incluso me subió fiebre, así que la pospusimos para el domingo. E hicimos bien, porque el sábado hizo un dia penoso. Parece que el maldito destino quiso que mi estómago no estuviese preparado un día para darlo todo el siguiente...Y hablando de siguientes, próximamente un nuevo spot de esta misma campaña. Os avisaré cuando estén acabados. Que será más pronto de lo que creeis. Desde aqui quiero agradecer su colaboración a Silvia, Elena y Manolo. Lo único malo, su escasa duración me va a obligar a cortar más de la mitad del spot, pero haré versión extendida, que no os quepa duda.

"THE BROKEN". Corazones invertidos

2009-03-22T12:00:00.000-07:00

El título de esta crítica, bien puede ser un metafórico resumen acerca de las sensaciones generales que deja “The broken”, cinta de Sean Ellis, si la sometemos a la inevitable comparación con “Mirrors”, de Alexandre Ajá, de la que comparte más de un elemento de importancia. Ellis, coge lo más sugerente de la propuesta de Ajá, y la libera de los más superfluos tópicos (añadiendo otros, eso sí), para elaborar una sibarita metáfora visual no exenta de cierta frialdad. La atmósfera con la que dota el director de la notable “Cashback” a las desventuras de la sufrida Lena Headay en busca de su “dopleganger” (tema interesante y fascinante donde los haya), es efectiva, sórdida y enfermiza en su punto justo, y consigue imágenes de poderosa belleza, turbación y sugestión. Hay ciertos clichés de la cinta de Ajá que se repiten, e incluso algunas escenas tienen una similitud más que sospechosa (que casualidad que la secuencia más gore de ambas cintas sea en una bañera y protagonizada por una chica rubia). Pero donde el francés nada en el exceso, Ellis juega a sugerir, a dejar las cosas claras, a resolver el conflicto mediante una alegoría tan científica como abstracta, con infinitud de cabos sueltos a resolver mediante la libre interpretación. A este joven aún le queda mucho por forjarse su propio estilo, pero sin embargo apunta buenas maneras, que quizá se resuelvan mejor en un género fuera del thriller, que siempre tiende a los manierismos y el encorsetamiento de sus propias reglas. Le seguiremos la pista.

PD: Un fin de semana de pura aventura, que finalmente se ha saldado con la grabación del spot anunciado, mañana todos los detalles aquí. Os vais a hartar (en serio).

PRIMAVERA RIMA CON VALERA

2009-03-20T04:53:00.001-07:00

No trabajamos juntos desde hace ya tres años. Él ahora es un guionista de éxito (aunque su nombre no aparezca en los créditos), y yo me aprovecho de los chicos de éxito siempre que me es posible. Javi Valera (en la foto codeándose con Gwynet Paltrow), ha tenido la amabilidad de colaborar conmigo este sabado en el rodaje de un brevisimo spot. Seguro que gana con él, eso ta claro. Por cierto, feliz llegada de la primavera. No se a vosotros, pero a mi no me entra "Astemia primaveral" de esa...me encuentro de momento bastante activo. Y que dure.

ESTE SABADO, RODAJE DE AVENTURAS

2009-03-19T03:51:00.000-07:00

Pues sí, en una pirueta del destino, voy a adelantar otra de las piezas de mi spot, retrasando la que comenté de los efebos jóvenes. Y es que, gracias al puente de Saint Joseph, la persona adecuada para llevar acabo otra de las piezas viene desde tierras lejanas, y qué mejor que pasar un fin de semana ajetreado rodando una de aventuras. Iré confirmando más datos. De momento, a ver todas las pelis del género que pueda ya a inspirarme el día de hoy en el antiguo caserón de Ramona Clavel...¡qué recuerdos!. ¿Y vosotros que vais a hacer este puente?

CASTING SPOTS

2009-03-18T01:25:00.000-07:00

Si ayer hablaba de nuevos proyectos, ahora los desarrollo más concretamente. Y es que me voy a meter de lleno en la realización de unos cuantos spots sobre turismo para la Región de Murcia.No desvelaré demasiado de los mismos, salvo que los considero transgresores, y que la chica de la foto es Alison Lohman (Big Fish). Y os preguntareis qué tiene que ver. Pues que necesito una chica como esta para uno de ellos, rubita, con cara de no haber roto un plato, y que no aparente haber pasado la veintena. ¡Y no encuentro por ningún lado!. Ha comenzado el casting, pero se agradecerán sugerencias, tanto femeninas como masculinas, pues también necesito un chico de características similares. Pero no quedaba tan erudito poner una fotico aquí del Zack Ephron ese...

NUEVOS PROYECTOS

2009-03-17T01:49:00.001-07:00

Planteandome NUEVOS (y ANTIGUOS) proyectos. Tantas ideas a desarrollar y tan poco tiempo para hacerlo...ains.

"THE GOON", David Fincher esta vez productor

2009-03-16T02:23:00.000-07:00

Y aquí vamos con una noticia que hará las delicias de mi amigo /blackchicken. David Fincher produce "The goon", película en 3D sobre un duo (matón y pequeñajo a lo Indy en borracho) que se dedica a saquear tumbas, acabar con zombis, fantasmas y bichos varios. Los bocetos son una pasada, aunque esperemos que se note la mano de Fincher, porque por muy visualmente espectacular que sea algo, si no hay una buena narración detrás todos sabemos lo que pasa, ¿no?.

PD: Además de la estética, las letras y el nombre, no tiene nada que ver con los Goonies que yo sepa...

Esta noche, Ramona Clavel en los Verdi Park

2009-03-12T02:46:00.001-07:00

Hola de nuevo muchachos. Después de la interesantisima proyección de Madrid, conocer a losmajisimos organizadores de Teaserland, y ver a Ramona y Amanda en pantalla grande, ahora toca en Barcelona. Desgraciadamente, yo no estaré, pero si a alguien le pilla cerca los cines, pueden pasarse y probar suerte, yo les aseguro que no les defraudará.Pronto contaré batallitas del viaje a Madrid, sobre todo de mi entrevista con los de Canal + y un entrevistador muy majo, pero con un tic que me puso más nervioso de lo que estaba. Esto se llama crear suspense, ¿que no?.

MAÑANA, PROYECCIÓN DE "DARK LOLAILO" EN MADRID Y ENTREVISTA EN CANAL +

2009-03-09T13:14:00.003-07:00

Pues si, amigos blogueros, es lo que toca. El viaje se detiene de momento aqui, concretamente mañana en los cines Golem Alphaville de Madrid (aunque recuerdo que el jueves, también se podrán ver en los Verdi Park de Barcelona, si bien yo no creo que esté presente), la carrera de "DARK LOLAILO". Parece que fue ayer cuando nos juntamos todos y grabamos semejante ida de olla. Me encantaría que todos aquellos que han participado estuviesen alli conmigo mañana por la noche, pero parece un poco dificil. Quizá en estos momentos es cuando se echa de menos aquellas proyecciones privadas de La Nave...pero no nos pongamos dramáticos, que solo dura minuto y medio. Aunque eso si, los que me conocen sabrán que serán los más largos de mi vida. Antes de dicha proyección, a las 20:00 horas concretamente, me van a entrevistar los de CANAL +, aunque no tengo ni idea de para que programa, noticias o derivados...lo preguntaré allí. ¡Si alguno es abonado que esté atento! ¡ Y que me lo grabe! ¿Veis como las cintas VHS siempre serán útiles? Os lo dije.

"WATCHMEN". Zack Snyder firma su mejor obra (por mucho que le cante misa Alan Moore)

2009-03-06T16:14:00.001-08:00

Si “El caballero oscuro” reformulaba la condición de “héroe” tal y como la conocíamos (cosa que ya hizo, por otra parte, “Batman Begins”), despojando de casi todo elemento “kitsch” a los justicieros con mallas, y llevándolos a un terreno física y emocionalmente más realista, “Watchmen”, no es que haga lo contrario, sino algo diferente. Tal y como sucedía en el brillante comic de Moore y Gibbons (que la película sigue, punto por punto, y plano por plano sin llegar a ser una fotocopia como “300” o “Sin city”), los héroes son fisicamente estereotipados, pero emocionalmente se encuentran lejos de toda idealización. Cada uno de ellos es, a cada cual, más existencial, y su existencia resultra frustrante, crepuscular, decadente, y en más de un caso esquizofrénica. Zack Zinder no hace más que traspasar (de forma brillante a mi parecer) esto a la gran pantalla, ADAPTANDO la novela gráfica, con licencias necesarias y aportaciones sobresalientes. Y lo ha hecho con un guión de lo más sólido, con Roschard como eje central (como debe ser), sabiendo que la trama detectivesca era lo primordial del relato, el hilo conductor que nos lleva a conocer a cada uno de los personajes.

También lo ha hecho mediante las concesiones al exceso (algo que a mi no me importa lo más mínimo, de hecho, algo más de libertad hubiese ayudado todavía más al conjunto), convirtiendo las onomatopeyas de las viñetas en trepidantes secuencias de acción que no entorpecen la trama (no se contarán, de hecho, más de 3 o 4 grandes peleas), y con una banda sonora que recorre lo mejor de la época que en el film se retrata (teniendo en cuenta, claro está, que es una realidad alternativa). Con tan solo los apabullantes títulos de crédito, que son sencillamente para quitarse el sombrero, Zinder muestra su amor por la obra original, y su capacidad para hacer el material (nunca mejor dicho) sangre de su sangre. Estamos quizá ante el perfecto termino medio entre “300” (auto - homenajeada al principio del film para los más avispados) y “Sin City”. Si para mi, la primera era excesivamente estética, casi irreal, y la segunda pecaba (además también de esto último), de monotonía en las historias, en “Watchmen” tenemos una cantidad de personajes interesantes para aburrir, y desarrollar al menos cada una de sus historias era vital. Y Snyder lo hace. La historia de Mr. Manhattan (que ya era brillante en el comic), acompañada por la música de Philip Glass, pone la carne de gallina, así como el test de Roschard al personaje del mismo nombre.

Estamos ante una adaptación de aupa, con un equilibrio entre las partes prácticamente perfecto, y elecciones de transformación que (en mi humilde opinión), mejoran el original. Como ya ocurriese en la injustamente denostada adaptación de “V de Vendetta”, la simplificación ayuda a la comprensión global de la historia, y el final es mucho más creíble en la película que en el propio comic, que resulta algo delirante, y es lo único que me chirría de esta gran obra literaria. En los puntos más flojos de la adaptación nos podemos encontrar con algunas fallidas elecciones de casting, como Ozymandias, que finalmente ha cumplido mis sospechas y no me ha convencido nada, pues el personaje acaba resultando algo plano y cambia la aparente perfección del original por una frialdad sospechosa desde el comienzo. El resto del casting me parece asombroso (salvando quizá a Espectro de Seda), haciendo especial hincapié en Jackie Haley, el Roschard perfecto. Visualmente es sencillamente una gozada, ya que se abusa del croma, pero en su mayoría nos encontramos con escenarios reales, lo que nos aleja de lo ilusorio que finalmente resultaba “300”. Además, los amantes del gore tendrán sus pequeñas dosis, donde Snyder recupera el espíritu de su “Amanecer de los muertos”. El inconveniente para aquellos que no tengan el precedente literario, es que se hará un pelín larga y perderá la mayoria de innumerables detalles (¡sale hasta Anne Lebovitz!) que contiene esta gran Obra, posible e injustamente tratada solo de “esteta”, cuando hoy en día hay que tener lo que hay que tener para hacer algo así otorgando tan pocas concesiones al público más mayoritario, y lo que es más, sin que se haga todo aburrido. Pero los hay que se quejarán. Alan Moore el primero.

UN TALISMAN LLAMADO ESCUDERO

2009-03-05T11:14:00.001-08:00

¿Creeis en los Talismanes (humanos)? Os cuento.
Si hace unas semanas colgaba en mi fotolog ( http://www.fotolog.com/el_vengaflog/43565446) la foto de este insurrecto protagonizando uno de los planos eliminados de "DARK LOLAILO" donde encarnaba a un dictatorial realizador televisivo, hoy tengo que volver a hacer referencia a mi amigo Alberto Escudero tras la reciente selección del trailer en "Teaserland".
Y es que, Escu, ha participado en dos de mis proyectos ("Y cuaaando...???" y "Dark Lolailo"), los cuales, entre toda mi filmografia, han sido los unicos que han sido seleccionados internacionalmente, y el primero de ellos incluso premiado. Así que, puede que este tierno mozalbete, al cual conozco desde tiempos inmemoriales de la Asociación Juvenil Onda Nave, que imita a Papuchi como nadie, y acaba de cumplir 25 + 1 añazos, tenga un aura especial que impregne de suerte mis proyectos. Me tendré que acercar a él en mis futuros cometidos, ¡así que ya sabes lo que toca Escu!

Siento ser cansino con el tema del trailer, mañana intentaré variar para finalizar esta excitante semana con algo nuevo como, no se....la crítica de Watchmen por poner algun ejemplo. Sed felices y comed lombrices.

"ENTREVISTA EN "7 REGION DE MURCIA" Y "TELEVISION MURCIANA (TVM) "

2009-03-04T03:21:00.001-08:00

A todos los interesados, este mediodia aparecerá una entrevista a mi persona tanto en los informativos (presupongo, porque aun no me la han hecho) de la 7 y de TVM sobre "DARK LOLAILO" y su selección en el Festival Internacional TEASERLAND.Gracias por vuestra atencion, y me voy pitando!

LOS 20 de "TEASERLAND"

2009-03-03T00:16:00.000-08:00

Aquí estan. O mejor dicho, aquí estamos.Somos los 20 finalistas de "TEASERLAND". Lo cierto es que somos cada uno de nuestro padre y nuestra madre, lo cual considero un gran síntoma para con el gusto de los posibles futuros creadores del cine español (que pedante me ha quedado esto, shit). Es muy curioso no ver presencia de dramas sociales o historias de la guerra civil, géneros patrios por excelencia. Por el contrario, mucho cine fantástico, terror y acción. En unos casos es más original que en otro, más explícito o más sugerido. Cabe destacar el impresionante nivel tecnico de muchos trabajos, aunque no se qué es lo que se valorará especificamente para otorgar el premio final, pues durante el desarrollo del concurso vi otros muchos trailers con mayor calidad visual que los seleccionados. Lo cierto es que me siento muy orgulloso de estar entre los 20 trabajos como ya escribí ayer, y ahora tan solo espero disfrutar del trailer en pantalla grande.
Los podeis ver todos aqui: http://www.teaserland.com

No haré quinielas, hay muy buenos trailers, y las posibilidades se me reducen muchisimo. Personalmente os recomiendo el de "Maestro Montero", buenísimo, fresco y tronchante (quizá demasiado parecido a "MACHETE" de Robert Rodriguez, algo que pasa también con otro de los trailers seleccionados que es un calco de "PLANET TERROR"), y es que este sanguinario torero podria ser perfectamente familia de mi Ramona!.

"DARK LOLAILO" RAMONA RULES!

2009-03-02T04:43:00.001-08:00

Ayer, una llamada me hizo inmensamente feliz. Xavi Bru, director del primer Festival Internacional de Trailers Falsos TEASERLAND, me comunicó que de entre 1.200 y pico (o 1.300, ya no recuerdo) de Trailers presentados a concurso, “DARK LOLAILO” estaba entre los finalistas aspirantes al gran premio final.
Esto, supone mucho para mi, y espero que también para todos aquellos que me ayudaron en esta locura. Desde mi querida musa Silvia, la inmejorable Amanda Romero, mi hermanita Alicia, la temible Ramona Clavel, pasando por todos los amigos que me han echado un cable (Manolo, Elenas, Escu, Jose…etc), y que han hecho posible el resultado final.
También supone que un gran numero de profesionales vayan a ver mi trabajo, gente como Jaume Balagueró o Angel Sala, entre otros, personas a las que admiro y de las que he seguido fervientemente sus carreras, tanto cinematográficas como periodísticas.
Además, esta mención me da aquello que solo puede dar el reconocimiento, FUERZA. Autoestima creativa y creencia en uno mismo, es algo que no es tan fácil alcanzar, y esta vez, los amigos de Teaserland me lo han dado con creces. Que de entre 1.300 aspirantes de todo el mundo, mi trabajo esté entre los 20 mejores, ya es más que un premio personal, algo que espero que me de fuerzas para toda mi carrera profesional. Mil gracias.

Finalmente, y a efectos más prácticos, me gustaría deciros que el trailer se proyectará los próximos dias 10 y 12 en dos cines de Madrid y Barcelona. Concretamente, el Martes 10 de marzo a las 21 horas en los Golem Alphaville de Madrid, y el Jueves 12 de marzo a las 22:30 horas en los Cines Verdi Park de Barcelona. Si es gratuito, tendrá precio simbólico u otras aspectos referentes a organización, ya me son desconocidos. Yo, por muy lejos que me pille, estoy cada vez más convencido de que debería pasarme por alli, como minimo para ver en pantalla grande la creación propia y de tantos amigos, que puede parecer una inmensa chorrada, pero da satisfacciones, espero que imperecederas.

Ramona celebra la selección con mucho arte

Finalmente, el sufrimiento de Amanda valió la pena

"EL ALEPH" Dirigido por J.A. Bayona

2009-02-26T01:14:00.000-08:00

J.A. Bayona, para quien no conozca su nombre, director de "El Orfanato" y de geniales videoclips, vuelve al mundillo musical con este atractivo video para el grupo "Nena Daconte". Visualmente la leche.

"MALDITOS BASTARDOS" Teaser Trailer

2009-02-18T04:52:00.000-08:00

¡Ya llegan los malditos bastardos! Mencion especial a ese Hitler hiláricamente enfurecido (ni que le hubiesen dicho algo malo de la peli de Dragon Ball.

"EL ESPECTACULAR" (1973)

2009-02-18T00:55:00.001-08:00

Ya se acaba el plazo para presentar, votar y comentar los trailers de TEASERLAND. Finalente, no he puesto tantas fotos del mio, para no saturar, pero aquí os dejo la antigua página del periódico "El espectacular" con un artículo que data del año 1973. En el artículo se habla sobre el nuevo cortijo de la antaño grande Ramona Clavel.También aprovecho para felicitar a mi hermana, la autentica Ramona, que esta semana me ha sorprendido con que me va a hacer TIO. En fin, un poco de tomateo nunca viene mal. Aquí teneis el enlace del trailer por si aun no lo habiais visto.

http://www.teaserland.com/festival/DARK-LOLAILO.html

LA NUEVA CABECERA DE "LOS SIMPSONS"

2009-02-16T11:07:00.000-08:00

Tras 20 años de emisión, "Los Simpsons" cambian su cabecera. Bueno, realmente no la cambian, simplemente la actualizan, y de forma bastante divertida, la verdad. Es cierto que han perdido, pero su trayectoria es innegable. Una de las mejores series de la historia. Que lo disfruteis.

"VALKYRIA". Suspense y gran ritmo para lo nuevo de Singer

2009-02-12T03:55:00.000-08:00

Eclipsada por los crecientes estrenos interesantes en nuestras carteleras, en gran medida debido a los incipientes Oscars de este año, nos llegó la última película del siempre intresante Bryan Singer. La historia de “Valkiria” es de sobras conocida, ya que aunque no estés metido dentro del mundillo del cine (entiendase “metido” como fascinado, documentado y/o en su defecto, medianamente interesado), hace un par de semanas en Antena 3 emitieron un telefilm (nada oportunista) llamado…¿Cómo era?...ah si, Valkiria. En fin, bromas a parte, este nuevo film de Singer viene acompañado del siempre polémico Tom Cruise, un hombre que tiene el estigma de pertenecer a una de las religiones más dudosas del mundo así como protagonizar eventos televisivos realmente lamentables. Y yo me pregunto…¿tiene esto algo que ver con su trabajo?. ¿Es justo que cada vez que vaya a estrenar una película se venga con que si está loco, que si tal o cual? ¿Acaso no merece la pena mirar los proyectos que escoge, ya no solo como director, sino como productor, y a las jóvenes voces que escucha?. No niego que este hombre esté o no en sus cabales, ciertamente no comulgo con él en ese aspecto, pero negar que “Valkiria” es una gran película solo por las fechorías mediáticas de Tom, Kate, Suri y compañía, me parece, sencillamente, de ignorantes.
Volviendo a la película, es una de las cintas más correctas que actualmente tenemos en las pantallas. Lo de correcto, lo digo en el mejor sentido de la palabra. Cierto es que Singer no arriesga, pero sí que gana. La película tiene un aroma clásico que se agradece, dura lo justo, tiene buenas interpretaciones (principales y secundarios, con un plantel de lujo), y utiliza a Wagner en una secuencia intimista de antología. Y además de todo eso…entretiene. Y mucho.
Singer consigue un equilibrio justo entre historia y ficción, política y suspense, entretenimiento y reflexión, sin caer nunca en ninguno de los dos extremos. Se trata por ello de un producto de lo más equilibrado y disfrutable. Quizá muchos la tachen de que carezca de personalidad, pero Mrs. Bryan siempre ha sido un director discreto, lo cual yo definiría “sin ínfulas de grandeza”, pero con altas dosis de talento.

"El curioso caso de Benjamin Button". Algunos son narradores.

2009-02-07T03:08:00.000-08:00

Ansiaba que llegase este dia. Contaba los dias restantes en el calendario. Y por fin ha llegado. Como siempre, Fincher no defrauda a aquellos que hemos crecido con su cine, y a la vez con él. Como bien dicen en “El curioso caso de Benjamín Button”, no es tu alrededor el que cambia, eres tu. Y fiel a su virtuosismo como técnico y narrador, Fincher aprovecha toda su sabiduría para regalarnos esta delicattesen, obra de todo un sibarita. Él sabe que no debía hacerse notar, que es una historia que fluye como la vida, con sus altos y sus bajos, y en la que el tiempo es primordial (de ahí su duración). Y lo hace casi desapareciendo, eliminando la imagen de floritura, aprovechando todo lo aprendido aplicado a la narración, a la historia. Pero no, no nos lo han cambiado. “Benjamín Button” no es precisamente una historia de final feliz, sino realista, una realidad que evoca un tiempo pasado que fue mejor (como todo tiempo pasado), llena de melancolía y nostalgia. Dicha historia es por todos conocida gracias a la eficaz campaña publicitaria que arrastrará a los cines a multitud de personas que, por desgracia, no apreciarán la sin par belleza de esta cinta prodigiosa. El tempo, la delicadeza, y la sutileza, jugarán en contra de ella, pero el tiempo (siempre el tiempo), la pondrá en el lugar que le corresponde. Poniéndome algo más frio, no puedo dejar de alabarla técnicamente, y es que es IMPRESIONANTE. Desde el diseño de producción, fotografía, la gran música del incipiente Desplat, y los magníficos efectos visuales. Muchos tacharán a los actores de fríos (que no le digan eso a Cate Blanchett ni a Tajari P. Henson, las más cálidas del reparto), en concreto a Brad Pitt, que ha conseguido algo extraordinario. Y ese algo extraordinario no es más ni menos que hablar con la mirada, transmitir la quietud, paciencia, sensibilidad, de alguien que ha vivido rodeado de muerte, sabiduría y selenitud. El suyo es un rol de espectador, sin duda, pero también toma decisiones, y muy importantes. Es su resignación (esa de la que habla el capitán de barco) lo que le hace tomarse la vida con tal calma. Sabe que su hora llegará, que seguramente estará solo, sabe que todos aquellos a los que ama habrán muerto, ¿acaso en esa situación estaríais gesticulando todo el día?. En definitiva, hipnótica película de principio a fin (los pasajes con Tilda Swynton, magistrales, parecen literatura pura), mágica aun habiendo sido rodada en formato digital (que apenas se nota), y de forma instantanea, un clásico de nuestro cine que deleitará y dejará traspuestos a los más sibaritas del séptimo arte.

"A todos los jovenes que quieren hacer su cortometraje"

2009-02-02T03:18:00.000-08:00

Otro año más, la gala de los Goya (quizá la que menos glamour tiene dentro del panorama cinematográfico MUNDIAL), se saldó con un rotundo fracaso creativo. Salvando los inspirados gags de Joaquín Reyes y Cía (brutal la adaptación de “Teo en el parque”), el resto de la ceremonia fue prácticamente un espanto. Carmen Machí intentó salir de su Rol de Aída (algo imposible ya), intentando ser glamourosa a la par que graciosa (secundo el momentazo Harvey Keitel (en lugar de Harvey Milk) que señala /blackchicken, no se a quien matar, si a los guionistas o a ella, lo dejaré en tablas). No discutiré los galardones, pues para mí, Fesser se merecía de lejos todos ellos, dentro de un panorama genial realmente lamentable. El mismo calificativo se le podría acuñar a otros premios como los de “Dirección nobel”, y el empeño de la Academia por galardonar a películas de calado social como “El truco del manco”, en lugar de joyas con sello como “Los cronocrímenes”, algo que parece que solo aprecian fuera de nuestras austeras fronteras. Pero sin duda, lo que se llevó la palma fue la aparición del señor que hoy ocupa el espacio de mi fotografía. Nunca he apoyado su cine, pues me parece que en tantisimos años de profesión, podría haber hecho muchas mejores películas. Tal y como lo presentó Santiago Segura, Jess Franco es alguien que ha abarcado demasiado para los resultados que ha obtenido. No lo critico, en absoluto, pues como él humildemente remarco, lo que le interesa es hacer cine. Eso no quiere decir que su nivel propio de exigencia deba ser muy alto, sino que está contento por el mero hecho de realizar. Conecte o no con sus historias y/o realización, hizo un discurso tan impecable ante la platea, que tuve que levantarme a aplaudir. El caso de este señor, demuestra que el éxito está en el cerebro. No se puede decir que él haya sido una persona alabada (de hecho, solo ahora, tan de moda la “serie B”, se le reconoce su trabajo), pero está claro que ha sido muy feliz, viendo y haciendo cine. Y su última frase sin duda me llegó al alma. Un ejemplo más de que no necesariamente debes conectar creativamente con alguien para que te parezca un crack como persona, y viceversa. Enhorabuena.

2009-01-31T02:09:00.000-08:00

Ya han pasado 10 años desde “Titanic”. Parece mentira. Pero cuando existen pequeños hechos como este, podemos ver reflejado el paso de ese aparentemente inapreciablemente tiempo en la madurez de las personas. En este caso 2 actores. Quien siga viendo a Di Caprio como el jovencito guaperas de antaño, tiene un serio problema. Con su desgarradora interpretación de Frank Weller, se ha ganado un espacio en el Olimpo de los grandes del cine. El joven con el eterno estigma de la belleza, logra en una de sus interpretaciones más contenidas, reflejar con la mirada la profunda frustración de un personaje vencido. Pero es que su partenaire, no se queda atrás, en absoluto. Cualquier cosa que yo diga ahora mismo de Kate Winslet, sobra. Su interpretación de April ya ha sido más que reconocida por todos los premios habidos y por haber. No voy yo ahora a descubrir América, pues además, el virtuoso Sam Mendes ya lo hace perfectamente en esta cruda radiografía cincuentera de aspiraciones frustradas e ilusiones rotas. Su sensibilidad, y sobre todo generosidad como director, huyendo de florituras y atreviéndose a dejar todo el peso en su brillante elenco (no solo Di Caprio y Winslet, todos están simple y llanamente perfectos), pero aún así buscando un hueco para su innegable talento, con el que nos obsequia aquí por cuarta vez. Tras la irregular pero interesante “Jarhead”, Sam Mendes ha vuelto con mucha fuerza y madurez. Al lado del final de esta “Revolutionary Road”, el final de “American Beauty” pertenece a la época dorada de Disney. La crudeza de la comodidad sin ninguna concesión es lo que nos muestra esta gran cinta, con uno de los planos finales más sutiles y simbólicos de los últimos años: la palabra es muchas veces supérflua, la manifestación de nuestras ideas y aspiraciones, vacía. Los actos son lo que importan, las decisiones. Aquello que hace que la vida merezca la pena.

MUNDO ABSURDO: Soy amigo de Rebecca Mader

2009-01-20T00:01:00.001-08:00

Pues si chicos, el mundo de la red se vuelve cada vez más absurdo. Y es que, la actriz de una de mis series favoritas "LOST", tiene facebook. Sé que son muchisimos los famosos que se han sumado a esta estúpida herramienta, pero es paradójico que muchos de españa me hayan rechazado y esta buena muchacha del Sur de California me acepte... También debemos de tener en cuenta que tiene más de 2.000 agregados (pero curiosamente nadie le firma)...lo que yo diga, que los viajes en el tiempo al lado de esto carecen de paradoja alguna. En fin, bromas aparte, esperaremos el estreno de la 5ª temporada de esta gran serie que es ni más ni menos que...MAÑANA (en EEUU, claro)!

Aparte de esto, una duda que me corroe el alma. ¿Alguien vió anoche a José Sacristan en Buenafuente? ¿Soy el unico que piensa que en plano medio se parece cada vez más a Steven Spielberg? No diré más.

PELÍCULAS INFRAVALORADAS: "JOE CONTRA EL VOLCAN"

2009-01-16T04:13:00.001-08:00

La otra noche, durante la retransmisión de la gala de los Globos de Oro, no pude evitar emocionarme cuando uno (si no el primero) de mis directores favoritos, Steven Spielberg, recogía el premio Cecil B. De Mille. Antes de que un lloricoso Scorsese le diese su galardón, se pasaron imágenes de toda la carrera de Spielberg. Entre estas imágenes, muchas de las películas que habia producido. Pero las llamadas “películas mayores”, pues ni productos como “Gremlins” o de la que hoy hablo estaban entre ellas.
“Joe contra el volcan”, de John Patrick Shanley, es, bajo su apariencia de comedia romántica, una personalísima visión de la vida. Lo cierto es que no la veía desde mi más tierna infancia (y lo había hecho a trozos, lo reconozco), pero tras su visionado hace muy poco gracias a TCM, pude comprobar que es una pequeña gran joya. Tom Hanks y Meg Ryan, podrían parecer a priori un mero reclamo, y aun así, se ríen de si mismos, ésta última incluso realizando 3 divertidos papeles diferentes (donde la tópica frase “cuando te vi tenía la sensación de que ya te había visto antes” cobra todo su irónico sentido). Y es que eso es algo que la película desborda por los cuatro costados, ironía y buen humor. La mera premisa es ya de por si delirante. El perdedor e hipocondríaco Joe, antaño valeroso bombero y actual trabajador en una empresa de reparto de publicidad recién salida de la mente de Franz Kafka, descubre que tiene una enfermedad mortal llamada “nube cerebral”. A partir de entonces vivirá la vida salvajemente, lo que incluye aceptar la propuesta de un millonario, consistente en tirarse como sacrificio humano a un volcan en erupción. Cada uno de los planteamientos del film, desde el nombre de la isla, sus aborígenes, un mero taxista o un vendedor de maletas ofrecen una visión del mundo esquizofrénica y realmente divertida.

Vaya pintas...

Muchos lo tacharán de producto ingenuo, y probablemente tengan razón, porque no es ni más ni menos que eso. Una de esas películas de los 80 que, a diferencia de otras muchas, gana con su posterior visionado.
Resulta curioso que su interesante director tan solo tenga dos filmes en su haber, éste, y uno actual que sonará a los académicos “La duda”, con Meryl Streep y Philip Seymour Hoffman, drama de época que ha copado muchas de las nominaciones de los últimos festivales. Ya era hora de que Patrick Shanley se vengase de todos aquellos que ni en el IMDB aprueban su magnífico debut de la mano del Spielberg.

Ah, se me olvidaba:

http://www.teaserland.com/festival/DARK-LOLAILO.html

"DÉJAME ENTRAR": My first (bloody) Kiss

2009-01-09T05:31:00.001-08:00

En días en que la literatura juvenil encumbra antiguos mitos como los vampiros, es reconfortante encontrarse con propuestas tan sencillas y a la vez estimulantes. “Déjame entrar” es a “Crepúsculo” lo que un restaurante italiano es a un Pizza Hut. Y nada más lejos de mi intención es infravalorar una y ensalzar otra (me encantan los Pizza Hut, por otro lado), pero si advertir que sus receptores no son, ni de lejos, semejantes.
A fuego lento, pero con tono de lo más gélido, el sueco Tomas Alfredson compone un nevado lienzo que se tiñe de sangre de la manera más sutil y a la vez enfermiza. La historia no puede ser más sencilla, y precisamente en eso reside su encanto. No se trata de una trama con mitología subyacente que sea más grande que las propias necesidades de los personajes principales, sino que estas necesidades (de lo más primarias e inocentes, tengamos en cuenta que son “niños”) las que mueven los pocos puntos de giro que posee la historia. Mención aparte merece el uso magistral del sonido (sobre todo cuando Eli habla durante su condición vampírica), y el sutilísimo uso de cambio de actriz para evocar la vejez interior de la dulce niña.
Quizá ya he contado bastante, pero no puedo obviar la secuencia en la piscina, una de las más impactantes del último fantástico. En definitiva, obras como esta dejan patente lo importante que es la forma de contar una historia mil veces sabida (realmente no tiene nada de original), pero con honestidad, sensibilidad artística y sobre todo, mucho mimo.

"AUSTRALIA": La epopeya de Baz Lhurmann

2009-01-08T01:55:00.001-08:00

Que el cine de Bazz Lhurmann (ya no se cuando lo escribo bien o mal, discúlpenme los pocos puristas que este realizador pueda tener) es excesivo hasta la extenuación no es ningún secreto. En cuadres recargados, fotografía preciosista, interpretaciones acorde con el conjunto (es decir “sobre-interpretaciones”) y en este caso, un acusado exceso de metraje, alargado durante más de 4 clímax finales. La pregunta debería ser ¿es esa la pretensión del Australiano?. Mi respuesta sería que si, pero que quizá en este último producto se le va un poco de las manos. “Australia” no es ni mucho menos lo que muchos “criticos” han tachado como “la peor película del año”, y cosas por el estilo. Contiene ecos de multitud de ejemplos de cine clásico (de ahí también la acusación de “refrito”), aunque sin llegar a plagiarlos descaradamente. Quizá la más evidente sea “Lo que el viento se llevó”, ese inolvidable dramón que últimamente cae todas las navidades. Es entonces cuando el cine de Lhurmann entra en cierto conflicto con el espectador contemporáneo. Sus personajes, y las situaciones que experimentan son a ratos demasiado inverosímiles, muchas veces forzadas y en la emotividad subyacente se aprecia la mano de un realizador empeñado en sacarnos la lagrimilla. Por otra parte, en cuanto a los clímax, y tras el buen oficio demostrado por Baz (a mi entender, y sobre todo en cuanto a ritmo), en sus anteriores cintas, creo que el director se arriesga a arriesgar el tono generar de la cinta al propio ritmo de ésta, es decir, él mismo tenia la sensación de que si su película no duraba 3 horas, carecería de ese tufillo “épico”. Quizá la autocomplacencia cumpla aquí un papel demasiado importante, lo que es seguro es que tras su empeño, muchas veces se consigue. Hay muchos momentos de buen cine en la cinta (toda su primera parte, con reminiscencias más que evidentes a “La reina de África”, o la icónica presentación “a lo Eastwood” de Drover), e incluso muchos en los que se consigue una emotividad natural, fresca y genuina (no pude evitar emocionarme con la aparición de Judy Garland). En el apartado técnico, se transmite todo el amor por la tierra Australiana en cada uno de sus encuadres, empapados de una belleza crepuscular, fundamentalmente romántica y en muchos ratos bucólica (el “momento cuento” es magistral, autoparodia “Satiniana” de la Kidman incluida). En definitiva, si tolerais lo interminable de su última parte (que comienza con un punto de inflexión en la vuelta a faraway downs donde parece que la película va a acabar), disfrutareis esta gran epopeya con la que no se puede ser demasiado purista.

(se que soy pesado) FELIZ AÑO NUEVO!

2009-01-05T05:20:00.001-08:00

¿Cómo lo habeis empezado vosotros? Yo sólo con el titular de esta noticia ya me siento divinamente.Feliz año nuevo a todos/as!

Fuente: http://es.noticias.yahoo.com/9/20090103/ten-el-festival-de-trailers-falsos-exhib-232267f_2.html

Podeis seguir viendo el trailer aqui: http://www.teaserland.com/festival/DARK-LOLAILO.html

"DARK LOLAILO" en "ACTUAL 09" (Logroño)

2008-12-30T05:16:00.000-08:00

Pues sí, no salgo de mi autobombo, y es que mi falso trailer "DARK LOLAILO" se podrá ver en "ACTUAL 09" tras la rueda de prensa que los responsables de TEASERLAND darán para presentar el festival en este otro festival (muñecas rusas mode on). Que quereis que os diga, me hace mucha ilusión, sobre todo ser proyectado junto a algunos de los trailers de directores invitados como Jaume Balagueró, Paco Plaza o J.A. Bayona. Si sois de allí, no dudeis en pasaros!

Si no, podeis seguir viendo el trailer aqui:

http://www.teaserland.com/festival/DARK-LOLAILO.html

y más información de ACTUAL aqui: http://www3.larioja.org/actual/

PD: Como curiosidad, el grupo murciano Klaus & Kinski (majisimas personas con las que coincidí en la Bienal de Italia), también tocarán allí. Está visto que nuestro destino se cruza compañeros.

YUJU!

"DARK LOLAILO" Making of

2008-12-28T05:54:00.001-08:00

Antes de ser un putrefacto cadaver andante, Ramona fue una resultona cantante y bailaora de Flamenco. En su finca "Lolailo" montaba unos saraos de no te meneés. Para ello, tenia que estar bien guapa. Hoy, en nuestra sección de "making of...", cómo convertir a la hermana del director en Ramona Clavel (modo viva).

Ya sabeis que podeis seguir votando el trailer aqui:http://www.teaserland.com/festival/DARK-LOLAILO.html

"My name is bruce"

2008-12-25T09:44:00.001-08:00

Por y para incondicionales de Campbell.

Lo mejor: El encuentro de Bruce con sus fans y un encasilladisimo Ted Raimi.

Lo peor: Que es más de lo mismo, y Bruce Campbell tampoco demuestra mucha valía como director. Tampoco se esperaba más. Para pasar el rato.

"MADAGASCAR 2" What the fuck...?

2008-12-06T04:56:00.001-08:00

Si hay algo que podría definir lo que sentí al ver la secuela de la floja “Madagascar” es la palabra “PERPLEJIDAD”. Esta perplejidad no se debe precisamente a su impecable animación, texturas, evocaciones ni nada por el estilo. Aunque tampoco le hace mucha falta. Si hay algo que, para bien o para mal, define a esta franquicia bastarda de Dreamworks es su honestidad contenido-forma. Estilos “cartoon” para contenidos de lo más delirante. Y es que en esta segunda parte, donde el león, la cebra, la hipopótamo y la jirafa intentan volver a Maniatan y se quedan a medio camino, aterrizando (casualmente) en su tierra natal, Africa, se define en primer lugar por lo poco en serio que se toma a sí misma. Si bien tras un prólogo demasiado deudor de “El Rey León” (el diseño del malo, por dios, disimulad un poco hombre…), y la insufrible “Yo quiero-marcha-marcha” que gracias a Dios obvian durante el resto del metraje, nos espera una montaña rusa sin reglas, donde las leyes de la física, el slapstick más soez y el humor absurdo conforman un plato para amantes del exceso. Previsible al 100%, pero no por ello menos disfrutable, “Madagascar 2” supera a su predecesora en entretenimiento, hacia tiempo que no me reía en voz alta gracias a un personaje mezcla de la dueña de Piolín y Clint Eastwood, que protagoniza los momentos más descacharrantes. Si Pixar son los reyes de la emotividad, las buenas historias y el cine con mayúsculas, a Dreamworks tampoco se le puede negar el trono del humor físico más cercano a los dibujos de la Warner que el de la compañía del ratón. ¿Y tú de quién eres?

"Bolt" superladrido de la Disney

2008-12-06T04:41:00.001-08:00

Si por algo se destacaba en los últimos años la compañía Disney, era por lo infumable de sus productos siempre que Pixar no estaba detrás. Por ello, al hablar de la nueva apuesta del estudio por la animación digital, “Bolt”, sin la “supuesta” falta de Pixar, el resultado es un rotundo aplauso. Y digo “supuesta” porque el gurú John Lasseter está detrás, como productor ejecutivo, y quieras que no, algo de mano tiene el hombre. El argumento de “Bolt” es harto conocido por todos. Perro que es utilizado por un gran estudio para una serie de televisión, y al que se le tiene amaestrado para creer que todo lo que montan alrededor suyo es real, (cual Truman Burbank modo canino), se escapa de su caravana al creer que su ama (y también actriz prodigo) es secuestrada por el malvado de turno. Hasta aquí, una premisa original, y una puesta en escena que lo es aún más, divaga con pulso firme (a ratos apabullante) con una animación que vuelve a dejar en bragas a Dreamworks, entre el “deja vú toyestoriesco” (al fin y al cabo, este perro tiene mucho de Buzz Lightyear) y la road movie más desenfrenada. Todo ello sin dejar en el tintero los retazos necesarios que critican lo que por otro lado el estudio hace hasta la saciedad en su cine y series de televisión (paradoja a la vista). Esto es, la utilización desalmada de seres vivos en general, humanos y caninos en particular, para su propio beneficio. No falta el realizador sin escrúpulos, la pragmática y a su vez comprensiva directiva de estudio, y el insufrible manager de la niña. Se dibuja por tanto una gran paradoja como doble pirueta de entretenimiento puro a la vez que personajes inolvidables (ese Rinno pasará a la historia, y Mittens no se queda tampoco atrás como perfecto relevo para “Buddy el vaquero”) y crítica autodestructiva, o si se quiere decir de otra manera, lanzamiento de piedras al propio tejado. Menos mal que Disney siempre sabe poner un final feliz y complaciente para todos (incluso para sí mismos). Y yo tan contento después de media hora de entretenimiento puro.
Tan solo me cabe una pregunta, ¿era necesaria la canción?¿ al menos era necesario traducir al castellano un estilo tan puramente “yanki” como el country?

"DARK LOLAILO" YA en TEASERLAND

2008-12-01T11:05:00.001-08:00

http://www.teaserland.com/festival/DARK-LOLAILO.html

RAMONA ON THE SET

2008-11-17T04:51:00.000-08:00

Aquí me teneis, dando instrucciones a mi pobre hermana, ahora ya conocida como la temible Ramona Clavel de "DARK LOLAILO", mi trailer ya finalizado (a falta de 2 retoques) que próximamente estará disponible en http://www.teaserland.com . Aquí estamos Ramona (aún viva), y su "gran familia" listos para un sarao y yo dándole instrucciones de cómo tiene que bailar. Nunca pensé que colgaría aquí una foto de mi pequeño campo de Yecla. Lo que es la vida...

RAMONA IN PROCESS...

2008-10-29T02:36:00.001-07:00

Ayer fue un día importante. Y es que se acabó, como dirían en los EEUU, la “fotografía principal” o rodaje de “DARK LOLAILO”. Digo fotografía principal porque a falta de algún plano recurso sin actores, ya está todo finiquitado. Ha sido una gran experiencia de la que creo que va a salir un gran resultado. Sin duda, es complicado realizar un trailer. Escoger los momentos clave de una película que no existe…es tarea, a ratos, desconcertante. Pero ello te ayuda a imaginar en cómo sería la película, y los que me conocen bien, saben que he acabado con una idea muy clara de la trama completa, y que incluso me gustaría escribirla (les doy mucho la lata a los (y la) pobres).
En fín, que poco a poco iré poniendo fotos de rodaje, y cuando empiece a montar, puede que algún anticipo del trailer (pero no demasiados, que solo tiene que durar 90 segundos!). En este caso, os pongo la foto del proceso de maquillaje de Ramona Clavel. La grandísima “Mido” cumplió su palabra y realizó una caracterización excepcional, como veréis en el trailer. Le dedico esta actualización a la entregada y simpática maquilladora andaluza que por inconveniencias laborales va a dejar Murcia, pero antes ha impregnado mi obra con su talento. Gracias.

"CAMINO". El mejor Fesser. Terrorifica historia de amor.

2008-10-20T04:53:00.001-07:00

Sin duda, es dificil escribir sobre “Camino”, la última película de Javier Fesser. Y la dificultad proviene de algo que denota irrefutablemente que nos encontramos ante muy buen cine, cada vez que recuerdas un fotograma de la película te corroe un sentimiento en lo más hondo de tu ser. Como las grandes obras, la película trastorna, conmueve y te remueve la conciencia. Hacía mucho tiempo que no sentía sentimientos tan encontrados durante una proyección, y esto me ha hecho incluso replantearme el fundamento mismo del séptimo arte: la creación de emociones, por muy duras e incómodas que éstas sean.
Todo en “Camino” está cuidado hasta el más mínimo detalle, desde las soberbias interpretaciones pasando por la fotografía, efectos visuales, música y cada uno de los departamentos. Cabe destacar, como ya se ha leído en innumerables críticas, la interpretación de Carmen Elías como Gloria, la madre de Camino. Quizá el rol más conflictivo de toda la cinta, una persona que busca en su fe un remedio para su dolor y el de su propia hija.

Fesser y su joven descubrimiento: Nerea Camacho

Carmen interpreta desde el estómago, inspirada (según cuenta la propia actriz) en su propia madre, la cual no le dejaba dedicarse a la interpretación, desde el más sentido amor por su hija. Y es que, si me preguntan de qué trata “Camino”, la respuesta sería eso, de AMOR. No, no trata sobre el Opus Dei, por muchas referencias a La Obra, estatuas de Balaguer y Rosarios que aparezcan durante todo el filme, esto no es más que el ESCENARIO que rodea a la protagonista, y al ser, ni más ni menos, que una forma de vida, debe estar presente de una forma tan abundante. No entraré en la mayor o menos verosimilitud y fidelidad con la que está tratada la idiosincrasia propia del Opus Dei dentro de la cinta, pero lo que si puedo decir, como guionista que también soy, es que, como en todo, hay luces y sombras. Por supuesto, el punto de vista de la película (el de una niña pre-púber), incita a que las sombras sean más acusadas que las luces, pero ocurre con multitud de aspectos dentro del film. Por ejemplo, por muy tierno que sea el personaje de su padre (tremendo Mariano Venancio), no se puede negar que sea un pusilánime en más de un momento. En relación a la famosa polémica que ha estallado por el comunicado de la familia de la niña en la que, parcialmente según Fesser, está INSPIRADO el film, tan solo puedo decir que, como creador, no puedo evitar ponerme de la parte del cineasta. Es muy duro, por parte de una familia aceptar que montan una ficción inspirada en un caso que tú mismo has sufrido, pero creo que también se debe respetar (como Fesser respeta plenamente en su película a la niña protagonista) la libertad creadora que no manipula, ya que cuando estás tratando con más de un hecho como es el caso del filme, es imposible ser fiel a la realidad, y mucho menos cuando hablamos de ficción. Respecto a la cita final del film, donde Fesser dedica su película a la memoria de Alexia, creo que no es más que la intención del cineasta, un broche para poner fin a dos horas y media de montaña rusa emocional que hemos vivido al lado de la angelical “Camino”. Si alguien te inspira, ¿por qué no dedicarle tu obra?. Puede que no le hubiese gustado, o puede que sí, eso nunca lo sabremos, pero jamás haremos un regalo a sabiendas de que el receptor nos baile el agua. Como el tópico dice, en este cas de manera acertada, es la intención la que cuenta, y dudo mucho que Fesser haya dedicado tantisimo tiempo y esfuerzo en realizar una película sobre alguien que ridiculiza.

Durante el rodaje de una de sus vívidas fantasias

Tan solo hay que ver detenidamente esta sensible maravilla cinematográfica para darse cuenta del AMOR, una vez más, que el director siente por su protagonista, otra enamorada que como muy acertadamente reza en un momento de la película: “Pide por todos aquellos que no tienen Fe en el amor”. Y es que como antes decía, hay muchos tipos de amor en esta historia. Hay personajes que identifican el amor con la pasión. Otros que lo identifican con la ternura. Otros con la devoción. Otros con la entrega. Otros con el sacrificio. ¿Cuál es el correcto amor?. ¿Acaso alguien lo sabe?. En este sentido, el director no puede hacer otra cosa que ponerse de parte de la protagonista, que como muchas veces él mismo ha dicho, no es Alexia, la niña real, sino Camino, alguien creada por él. Y es que, algo tan complicado como el amor, que muchos adultos ni tan siquiera pueden llegar a entender, es visto desde el prisma de la infancia como algo inocente, terrenal y no divino. De ahí, nace pues lo más doloroso del film, el amor visto a través del prisma de los verdes ojos de Nerea Camacho, una niña que tiene un viaje de Fe y se agarra a los sentimientos que le son más cercanos, a los únicos que entiende, frente a otros impuestos que le vienen grandes, a ratos le asustan y no alcanza a entender plenamente.
Ello se plasma mediante unas vigorosas fantasias que van de la luminoso a lo oscuro. Fascinantes, aterradoras y surrealistas, que deslumbran y revuelven el estómago a partes
Sin duda, me podria pasar horas hablando de esta película, pero no puedo hacer otra cosa que recomendarla, si bien está claro que (como el mejor ARTE) no será sobrosa para todos los paladares.

"Quemar después de leer". La absurda comedia humana.

2008-10-19T04:47:00.000-07:00

La profunda misantropía de los mellizos Coen es conocida por todos los que seguimos su cine desde mucho tiempo atrás. Por otra parte, también es conocida su irregular carrera en los Estados Unidos, donde tras su destacable (pero no a la altura de un Oscar), “No es país para viejos”, los hermanos de Minneapolis remontaban el vuelo tras discutibles trabajos como “Crueldad Intolerable” o (sobre todo) “The ladykillers”.. Que su cine, personajes y situaciones son curiosas, absurdas e incluso marcianas también es suficientemente conocido, por lo que sus fans no podemos más que aplaudir su último trabajo, “Quemar después de leer”. Quizá la más extraña de sus películas debido al sorprendente tono entre la comedia absurda y el existencialismo crepuscular que los Coen van arrastrando últimamente (¿se nos están haciendo viejos?...¡pero si yo creí que ya nacieron así!), merece la pena ver a un plantel de actores tan destacados cumpliendo roles tan rematadamente memos. Desde el genial Malkovich alcohólico hasta el ya antológico Brad Pitt tonto-del-culo, todos parecen campar a sus anchas y pasarselo en grande en la comedia más 100% Coeniana desde “El gran Lebowsky”. La paranoia impregna a cada uno de los perdedores de esta cinta (otro guiño más a algo tan en boga como el espionaje internacional, terrorismo e incluso si hurgamos mucho…el recurrente 11-S) que no son más que marionetas de un engranaje que le viene grande. No obstante, lo más risible son las aspiraciones de cada uno de ellos. Mientras al agente de la CIA le han dado una patada tras más de 20 años de servicio, su mujer le pone los cuernos con un insulso policía que pasa sus ratos libres construyendo…(obviemos el spoiler), que a su vez no tiene suficiente con ésta y busca pareja por Internet (otro rasgo más del patetismo posmoderno en que se enmarca la historia). Allí encuentra a una mujer, gerente de un gimnasio, obsesionada con las operaciones estéticas, de la que a su vez, está enamorada el único personaje noble de toda la cinta. Dicho así, suena dantesco, grotesco, esperpéntico…y visto, lo es más aun. Pero de eso se trata. Se trata de que el gran J.K. Simmons deje patente con sus dos apariciones lo poco que le importa al Estado sus ciudadanos. Se trata de otra muestra más del nihilismo descreído (tan solo el título, ya lo dice todo) de este par de hermanos capaz de reirse de todo y de todos. Se trata de la absoluta comedia humana, ni más ni menos. Bravísssssssimo.

Hasta el lunes, corazones

2008-10-10T01:47:00.001-07:00

Nunca pensé que lo diría, pero he realizado un programa del corazón.Como habreis adivinado, se trata de mi proyecto para "Teaserland" ( http://www.teaserland.com ), y aquí teneis un nimio avance antes de mis inmerecidas vacaciones de fin de semana. El lunes seguiremos con el rodaje, con una de las partes más ansiadas y a la vez más temidas por mi...la aparición de Ramona Clavel...pronto la conocereis, sed pacientes.

"No me pidas que te bese, porque te besaré". Buenas intenciones.

2008-10-08T03:21:00.000-07:00

El universo del guionista Albert Espinosa no nos era del todo desconocido a aquellos que somos aficionados al mundo del cine (incluso al español). Espinosa había destacado en tres películas, “Tu vida en 65 “, dirigida por Maria Ripoll, la irregular “Va a ser que nadie es perfecto”, de Joaquin Oristrell y sobre todo, “Planta Cuarta”, de Mercero. Que en este país un guionista consiga vender tres de sus guiones a cineastas tan importantes, es un sello de personalidad aplastante. Con “No me pidas que te bese, porque te besaré” (título, más que discutible, todo sea dicho), Espinosa une dos de sus obras de teatro, dando a Eloy Azorín (y a sí mismo), los roles principales. Y esa es la mayor pega de la película, su base teatral. Los actores brillan con luz propia (sobre todo, la panda de freaks capitaneados por un sorprendente Pablo Rivero, rozando el esperpento pero logrando no caer en lo grotesco y ofensivo), si bien a Azorín se le ve a veces demasiado forzado. Espinosa cumple haciendo de sí mismo, y las conversaciones con su amigo son de lo más original del filme. La historia es original, divertida a ratos, emotiva por momentos, y sobre todo, con muy buenas intenciones. El lastre, viene en la puesta en escena, y sobre todo en el montaje de las mismas. Algunas secuencias son excesivamente largas, y da la sensación de que Espinosa no conoce el término de “Montaje Paralelo”. Por hacer una comparación, Espinosa es a Nolan, como un Big Mac a una menestra. Su película hubiese ganado mucho con esta técnica, aunque quizá no era lo que él quería. Quizá lo que él quería eran secuencias naturalistas, que dotasen al conjunto de algo carente de ritmo pero más fresco que algo milimétricamente calculado. Si es así, lo ha conseguido. No obstante, este pequeño bache no lastra el conjunto una vez te metes en la historia. Las lagunas del personaje de Albert (mira que yo soy tio y no puedo identificarme con él ante su negativa frente a su simpatiquisima novia) son solventadas mediante ingeniosos y necesarios flashbacks, en lo que es el único riesgo formal de la cinta, subrayando la necesidad del personaje en superar un trauma. Lo que Espinosa deja en el aire es, por qué precisamente ese trauma y qué relación tiene eso con su novia. Quizá la lectura final de la película pueda ayudarnos. La necesidad de aceptar lo diferente como especial, lo especial como a ti mismo y los demás, y así valorarlos lo suficiente para aprender a amar.

"El niño con el pijama de rayas". La vida no es bella (ni de coña)

2008-10-08T02:52:00.000-07:00

No he leido el Best Seller de John Boyne, así que dudo de la fidelidad del texto original que es plasmada en la película del mismo nombre, “El niño con el pijama de rayas”. Así, mi breve reseña se centrará en aspectos puramente cinematográficos. Quizá no pude disfrutar del todo la película debido a mi profunda inmersión en el proyecto que me ha tenido cegado estos dias, “Dark Lolailo”, pero supongo que me enteré lo suficiente como para comentarla. El film en cuestión, como casi todos sabreis, se centra en la amistad entre dos niños, uno, hijo de un general nazi, y otro, un judío recluido en un campo de concentración. Ambos, desarrollan su amistad prácticamente a través de las alambradas del mismo. Si hay algo que destaca en esta producción, además de la interpretación de Vera Farmiga (como yo la llamo, la “Eva Hache guapa” del cine made in USA) a la que ya vimos en “Infiltrados” (casada esta vez con un maldito clon del fallecido Fernando Fernán- Gómez), es la sobriedad en cuanto a puesta en escena de la misma. Quizá haciendo referencia a su referente literario, el britanico Mark Herman (responsable, y no de menera casual, de la cinta), dota al conjunto de una impronta contenida, respetando en la mayor parte de su metraje el punto de vista infantil (refiriéndose punto de vista a lo que el niño ve y entiende, no a sus fantasías), y incluso la partitura de James Horner es bonita pero carente de florituras. Todo huele a clásico en esta película, lo cual es un gran acierto, si bien muchos lo pueden calificar de falta de riesgo narrativo. Puede que tengan razón, aunque sin duda es una película disfrutable, aún teniendo en cuenta la dureza de su planteamiento (y desenlace).

Espejo rebota y en tu culo explota

2008-10-03T02:54:00.001-07:00

Me ha venido muy bien ver “Reflejos”, de Alexander Ajá antes de enfrentarme a la segunda parte de mi nuevo proyecto, ya mencionado aquí. Y es que, la nueva película de Kiefer Sutherland tiene tópicos a mansalva, y huele a manido y a “deja vú” por todos los costados. Tenemos a un ex policia frustrado. Tenemos su matrimonio que se tambalea. Como no, tenemos a un niño que da mal rollo. Tenemos una casa misteriosa. Tenemos un viaje a las entrañas del pasado de una loca…etc. En pocas palabras, “Reflejos” gustará a aquellos que no pidan mucho contenido a una película de terror. En realidad no me molesta que sea un policia fracasado o que su matrimonio se tambaleé, lo que me molesta es que eso no tenga relevancia alguna en la trama. Tienen que inventarse la tipica historia del pasado para justificarlo todo. Y nunca había estado tan cogido por los pelos, creedme. Parece que los propios guionista no cumplen sus propias reglas, y la resolución final (bicho incluido), es risible. En el apartado de la dirección, Ajá decepciona. Lejos han quedado las frescas puestas en escena de “Alta tensión” (de la que fui uno de sus primeros defensores), o “Las colinas tienen ojos”. Algunas escenas tienen su aquel, sí, pero el conjunto deja un sabor de boca a mediocridad.

Lo mejor: El plano final ( algo de sugerencia nunca viene mal)
Lo peor: La justificación del misterio en sí misma.

De homenajes va la cosa...

2008-09-29T02:38:00.001-07:00

Adivinen la película. Por un momento me convierto en uno de eso divertidos fotologs tales como /fotogramaoculto en el que se cuelga el fotograma de un film con la esperanza de que los flogueros lo adivinen. En mi caso creo que es bastante evidente, así que obviaré el concurso para explicar los motivos de esta actualización. Efectivamente, la película es "One from the heart", de Francis Ford Coppola (más información sobre él, aquí http://es.youtube.com/watch?v=RJXZNu2hDeo). La película era un fastuoso y desenfadado musical que fue un autentico fracaso. Para mí, está infravalorada, porque si bien no es el Padrino, al menos está entretenida y fue una pionera en cuanto a la utilización del video en la realización de una película. Además de todo esto tiene planos brutales como el que podeis ver. Pero ¿porque posteo con esta peícula?. Pues bien, resulta que si todo va segun lo establecido, esta noche comenzaré el rodaje de mi próximo proyecto que espero de mucho que hablar, y la primera parada es la realización de un programa televisivo. Este se llama, a modo de homenaje, plagio, copia descarada o como querais llamarlo, "Corazonada", el nombre que pusieron en España al film de Sir. Francis. Seguiré informando.

"EL REY DE LA MONTAÑA", y del nuevo cine español

2008-09-21T04:20:00.001-07:00

El director y los interpretes de un Gran trabajo

Que todo el amante del buen cine, ese que hace que se te corte la respiración y tu corazón lata a 5.000 por hora, se grabe a fuego en el cerebro el nombre que escribiré a continuación: GONZALO LÓPEZ-GALLEGO. Este jovencito ha trazado con “El rey de la montaña”, el definitivo retrato, cruel, terrorífico y visceralmente angustioso de la deshumanización actual enmarcada en el (últimamente recurrente) género de lo que podría definirse como “acción rural”. Poco se puede decir de este film sin desvelar demasiado. Tan solo decir que, de momento, es la mejor película española del año (y tiene difícil que cualquier otra le arrebate el puesto). Leonardo Sbaraglia, dentro de su gran capacidad para meterse en la piel de cualquiera de nosotros, interpreta a Quim, un hombre que viaje solo por una solitaria carretera en busca de su ex – novia. En una gasolinera se encontrará con una misteriosa joven, salvaje y al límite, algo por lo que es irremediablemente atraido y en cuya búsqueda, acabará por sufrir más salvajadas de las que podría imaginar.Cuando vemos la sencilla, que no simple, historia de “El rey de la montaña”, se nos vienen a la cabeza varios títulos. Desde los “Perros de paja” de Peckinpah hasta las muy recientes (y notables) “Bosque de sombras” o incluso “Los cronocrímenes”. Todas ellas tienen en comun un escenario, la montaña. Todas ellas son rurales, y esto les confiere una rudeza, una puesta en escena radical, dura y al límite. No obstante, López – Gallego va un paso más allá que los anteriores títulos, jugando de manera endiablada con el punto de vista (algo tan olvidado en el cine de hoy en día), haciéndonos sentir en el primer tramo del film, que un Dios caprichoso nos dispara sin piedad y no tenemos escapatoria. Y por si fuera poco, en el segundo tramo, cambia el mencionado punto de vista para sorprendernos con algo que no puede hacer otra cosa que dejarnos perplejos por su sorpresa, riesgo, y aun así, buena resolución. Como en la memorable “Psicosis” de Hitchcock, Lopez- Gallego juega a darnos todas las posibilidades de una historia que creíamos de una forma, pero jamás pensaríamos ver desde esa otra que él nos muestra.

Las secuencias de sufrimiento son impagables, y a ratos completamente insoportables (estremecedora la del Guardia Civil atrapado o la de María Valverde en el foso…no diré más). Por su parte, en cuanto a puesta en escena, ya está todo dicho, este hombre seguirá los pasos de Juan Carlos Fresnadillo, pues creo que ya lo han fichado en Hollywood, me alegro por él, a ver si así la industria española espabila un poco. Si fuera poco un tratamiento visual y de cámara tan acertado, preciso y rompedor en nuestro cine (a ratos, parece una película de Danny Boyle, a ratos la original “Posesión Infernal”), la mezcla de sonido consigue dotar la atmosfera de una sugerencia propias del mejor cine de gente como Shyamalan, entre otros.No obstante, a “El rey de la montaña” se le pueden echar en cara cosas, y esas cosas vienen de hecho provocadas por el realismo de su propuesta (¿es lógico que el personaje de Sbaraglia actúe de la forma que actua justo antes del famoso “cambio de punto de vista”?). Para mí, igual que supongo que para Gallego, todo está justificado mediante el retrato que este dibuja acerca de la brutalidad tanto de cazadores como de cazados, así como su propia fragilidad moral. Prácticamente Impecable. Enhorabuena.

LO MEJOR: Prácticamente todo.

LO PEOR: Posibles incoherencia de Quim en algún momento de la cinta, además de que si no toleras el giro argumental del último tramo, la peli te cojeará.

"VICKY CRISTINA BARCELONA", amor pasion nostalgia.

2008-09-20T10:26:00.000-07:00

Bardem seduce a Hall, la Gran olvidada del marketing

Para hablar de la última y esperada (sobre todo por parte del público español) película de Woody Allen, deberíamos establecer lo que parece una máxima (casi) tristemente irremediable. Allen ha perdido el pulso y la frescura de manera considerable en los últimos años. Tras sus flojísimas “Scoop” y sobre todo “El sueño de Cassandra”, el neoyorkino continua, no obstante, en activo dándonos un nuevo trabajo por año.Planteado este dilema, deberíamos abordar esta “Vicky Cristina Barcelona”, como una obra irregular, pero sin carecer de una cuantos momentos de buen cine. Y es que los años no pasan sólo para mal. Cierto es que, en una cartelera post-veraniega, repleta aún de los últimos coletazos de los blockbusters de turno, es difícil ver la que posiblemente sea la primera oferta de este incipiente otoño (aunque, paradójicamente, la historia se desarrolle en verano). Aunque las desventuras de Vicky y Cristina transcurran durante los meses de Julio y Agosto, el tono general de la cinta nos recuerda a historias de transición como “Septiembre”, teniendo en cuenta tambien la indefinición dramática de ambas cintas. Este nuevo film de Allen no es puramente una comedia, tiene momentos muy divertidos (sobre todo desde que el personaje de Maria Elena entra en juego), ni tampoco un drama, si bien se esboza una lectura final de lo más melancólica. El bueno de Woody plantea sus cartas, las juega y vuelve de nuevo al comienzo sembrando más dudas que resoluciones (lo cual no es malo), dejando claro lo que para él es la pasión, el amor y las relaciones de pareja. Éstas, se podrían definir en un suplicio derivado de la pasión del pasado, y se resume en que, la pasión (al igual que el amor), también se agota de tanto usarla, pero no precisamente cayendo en la monotonía (como sí ocurre con el primero). Los personajes de Bardem y Penélope son, como ellos mismos definen, una pintura que necesita del equilibrio perfecto, el cual creen encontrar en Cristina (Johansson).

Venga, daos un besico anda...

Por su parte, Vicky, la autentica protagonista de esta cinta (simple y llanamente porque es el único personaje que EVOLUCIONA, aunque sea para mal), descubre en Juan Antonio (Bardem), todo aquello que falta en, lo que ella cree, una vida perfecta.Una vez desarrollado, el argumento es mucho más complejo de lo que puede parecer a simple vista, lo cual es una característica que (esperemos), Allen no pierda nunca. Conforme la cinta se desarrolla (y tras unos pasajes turísticos algo tediosos y redundantes apoyados por una innecesaria voz en off), se comienza a romper el cliché, y es entonces cuando la película sale realmente a flote. Los actores estan todos en estado de gracia, y la fotografía de Javier Aguirresarobre es sobresaliente. En el terreno musical, Woody Allen escoge buenas piezas de temas españoles, nostálgicos y melancólicos que dotan a la cinta de una magia extraña que es de agradecer (si bien personalmente, el tema principal a lo Carla Bruni se me hizo insoportable). En definitiva, un buen regreso para un autor que no está en su mejor momento como director, le falta pulso,arrojo y seguridad en apartados narrativos (LAS COSAS NO SE SOLUCIONAN CON UNA VOZ EN OFF QUE EXPLIQUE LO QUE PIENSEN LOS PERSONAJES, y esta vez no es de manual, sencillamente no funciona). A pesar de todo, la película es muy disfrutable y ofrece un buen puñado de buenos momentos en el más clásico sentido de la palabra.

No querias besico, pues toma

Lo mejor: El cuarteto protagonista (incluida Rebecca Hall, a la que la publicidad obvia injusta y descaradamente).

Lo peor: La excesiva narración explicativa.

No es de los buenos....es de los MEJORES

2008-08-31T04:57:00.001-07:00

Del Toro, rodeado de Freaks y de Selma Blair

El tercer (y último) mejor estreno de éste verano, se ha saldado con eso, un espectáculo de entretenimiento sin fin. Vayamos por partes. Tras su portentosa “El laberinto del fauno” (una película “pequeña” para Del Toro), el mexicano vuelve con las pilas cargadas para ofrecernos un auténtico desmelene con una única pretensión, la diversión pura y dura. Tras su más que correcta primera parte, “Hellboy II: El ejército dorado”, retoma las aventuras del hombre demonio en nuestro mundo contra las cruzadas malignas del suyo propio, ese “otro mundo”. En ese otro mundo, se dan la mano elfos sanguinolientos, hadas de dientes mortales o descacharrantes bebés-tumor, evidenciándose que TODO es posible. Pero, ¿por qué hablar de un argümento que en realidad no es lo más importante de la película?. Sí, se que escuchareis a mucha gente defender el trabajo de un buen guión a capa de espada (y a mí, el primero), pero es que el de Hellboy, no es un guión malo como mucha gente ha apuntado en diversas webs. Es, sencillamente, correcto en cuanto a trama y sobresaliente en cuanto a ritmo. Las acciones están perfectamente compensadas, tanto las peleas, como los momentos de relax, introspección de personajes y subtramas. El carisma que Del Toro proporciona a sus seres es de una habilidad envidiable, humanizándolos aquí hasta el extremo.

En esta secuela, Rojo saca su lado más romántico...

Y es que, de eso se trata en el fondo la película. Al igual que su antecesora, Hellboy se divide entre nuestro mundo (el que le ha criado) y su naturaleza diabólica (el que le vio nacer). Puede parecer algo tan sencillo como ¿de donde es la vaca, de donde nace o de donde pace?, pero es el sufrimiento de los personajes respecto a ese dilema lo que acaba siendo genial. Del Toro y Mignola (quien le ayuda en las tareas de guión) consiguen una identificación máxima con sus personajes (más teniendo en cuenta que son caracteres puramente inverosímiles) a base de la desmitificación de los mismos. Algo que está acorde con el tono general de la película. Y con ello nos demuestran que no por ser más humanos carecen de espectacularidad. En este film por fin se consigue el equilibrio perfecto entre comedia y terror, bizarrismo y belleza o acción y emoción. En el aspecto actoral, qué decir tiene que Rom Perlman fue, es, y será siempre Hellboy, Selma Blair sigue fantastica como su frágil pero letal novia, y Doug Jones vuelve, tanto como Abe Sapien como con otra galeria de personajes que dejan, de nuevo, el listón muy alto. La nueva incorporación a la galeria de monstruos de la franquicia, Johann Krauss (en versión original doblado por Seth Mcfarlene, creador de “American Guy”), es de un planteamiento ingeniosisimo, lastrado, en parte, en nuestro país por la voz del amiguete Santiago Segura. Y digo en parte, porque mucho peor es el destrozo de doblaje que han llevado a cabo con Abe Sapien.

...pero sigue dando mamporros a mansalva

Me gusta José Mota, pero ¿por qué cambiar un doblaje que ya estaba bién en la primera parte?, y además teniendo en cuenta que el trabajo de Mota (aunque comedido), te saca completamente de la película y le resta algo de dignidad y serenidad a Abe Sapien. Son cosas que nunca comprenderé. Resulta absurdo creer que por poner voces conocidas, más gente irá a ver una película que ya brilla con tan solo mirarla superficialmente. Del Toro a conseguido una montaña rusa de virtuosismo plástico, estético y emocional. El mejor superhéroe en la actualidad tras el Batman de Nolan. Bravo por él. ¡Ándele!

Lo mejor: Prácticamente todo, con especial mención al mercado Troll y la ancianita, “maestra de las llaves”.

Lo peor: El (innecesario) doblaje castellano de Segura & Mota. Lo siento chicos.

"¿Por qué tan serio?"

2008-08-16T02:57:00.000-07:00

Tras una prolongada ausencia en este espacio crítico y cinematográfico a la par, vuestro humilde narrador no podía dejar pasar el estreno de “El caballero oscuro”, de Christopher Nolan. Y es que, han sido casi dos años esperando el maldito (nunca mejor dicho, y todos sabéis porqué) proyecto para dejarlo pasar sin opinar al respecto. Y es que tras la magistral “El prestigio”, Chris y Jonathan (ambos hermanos e igual de inteligente por lo que se ve) han elaborado un guión ejemplar, quizá la obra definitiva sobre el hombre murciélago. Y lo han hecho con valentía tras la notable “Batman Begins”, afrontando una tarea gigante. Yo aun diría más, mastodóntica. E incluso más, Titánica.
Y es que, lejos de desarrollar las fórmulas planteadas en “Batman Begins”, los Nolan toman prestado al personaje, su ámbito de movimiento y los acontecimientos narrados en diversos cómics (“Año uno”, “El largo Halloween” o “Amor loco”) para llevar la trama directamente a su terreno. Más cercano a un “Drama criminal” que a un film de superhéroes, “El caballero oscuro” aparca el desarrollo de Bruce Wayne el cual ya había sido planteado de sobra en su antecesora, y se detiene en el ascenso criminal (obviamente personificado en Joker), y en la esperanza de salvación como valuarte de la ley (Harvey Dent). El conflicto está servido, y por primera vez, sin estar reñido con la diversión. No faltan secuencias que nos hacen esbozar una sonrisa, aunque sean más numerosas aquellas que nos provocan temblar de terror o incluso sollozar de impotencia. Realmente no aportaría nada alabando las interpretaciones de Ledger o Aaron Heckart, ya que estas hablan por sí solas, tan solo me gustaría dejar claro en este apunte, que aquellos que se sientan decepcionados con la película, pueden sentirlo debido a la novedad con la que está tratada. Con ello me refiero a que se aleja (aún más que Begins) de los planteamientos establecidos por Burton (brillantes, por otro lado, pero dejados atrás, necesariamente) creando algo más cercano al cine negro que a épica superheróica (que la hay, ¡y cómo!).
Por ello, creo que los responsables de esta gran cinta se merecen un rotundo aplauso, principalmente por atreverse a ir más allá, aunque algunos espectadores no puedan o no quieran verlo, alcanzando unas cotas de emotividad nunca antes vistas en una película de “superhéroes” y trazando un minucioso retrato robot de la sociedad en la que vivimos. Es curioso el hincapié que Nolan realiza sobre los ciudadanos de Gotham, con pequeñas pinceladas como lo hacía en Begins, para poco a poco hacerlos partícipes del mayor dilema moral de la cinta. Con ello, nos deja claro, que Gotham city (como muy bien intenta demostrar Joker) es sus ciudadanos. Muy por encima de la estética más o menos oscura de la ciudad, Christopher Nolan ha rascado hasta tocar el fondo del ser humano, talando los árboles hasta llegar hasta el fondo del bosque. Por ello, todo es un gran retrato donde Batman, Joker y Harvey Dent juegan sus cartas al mejor postor, pero no sólo ellos, sino que por primera vez, la propia ciudad se manifiesta. Temas como la injusticia de la democracia (estremecedor el voto en el Ferry), la caída de los líderes o la necesidad irracional de fe entre otros muchos están planteados en esta cinta no apta para adolescentes descerebrados que quieran pasar un rato fresquito en la sala de cine, sino para aquellos que quieran disfrutar con un espectáculo nunca antes visto.

"LA MUERTE DE OTRO" en "SIETE DÍAS"

2008-08-12T05:09:00.000-07:00

Auí esta la primera página que hace referencia al rodaje en el que participé este fin de semana, "La muete de otro", escrito y dirigido por Mario Gómez.
Mis funciones eran las de Ayudante de dirección y Operador de Cámara, y lo más destacable del rodaje, además del buen rollo que se respiraba entre todos los participantes,fue sin duda el calor. Y es que, al desarrollarse de lleno dentro de un autobús (convenientemente iluminado para la ocasión por dos butanitos de más de 500 W), mis fuerzas flaquearon en múltiples momentos, aunque finalmente la cosa llegó a buen puerto, como se narra en este artículo.

Lo que realmente me ha sorprendido ha sido la extensión del articulo que ocupa dos páginas completas como podeis ver, y donde la redactora ha pueto algunas perlas que está mal que yo reproduzca, así que os las pongo de su puño y letra.

Aquí la última pagina:

SESIÓN DOBLE

2008-07-31T14:08:00.000-07:00

SESIÓN DOBLE
LA PARADA:
PARTE 1: http://es.youtube.com/watch?v=U1TN_U2IPzU

PARTE 2: http://es.youtube.com/watch?v=SGd8NjqJ_d8

YOU NUNCA:

PARTE 1: http://es.youtube.com/watch?v=hTBBJgz6V68

PARTE 2: http://es.youtube.com/watch?v=xjoi8gYiWg0&feature=related

Ah, por cierto, soy el director de los dos.

ESTRENO DE YOU NUNCA en LA NAVE

2008-06-29T03:50:00.000-07:00

Pues sí, ya ha llegado el día. Después de casi un año desde que lo grabé, el corto "You nunca", dirigido por mi y sobre un guión de Manu Riquelme verá la luz en "LA Nave: Espacio joven" de Puente Tocinos. Será el próximo 4 de JULIO a partir de las 21:00 horas.
Además, después de la proyección habrá dos conciertos enmarcados dentro del fin de curso de este centro juvenil.
Os espero.

TRAILER YOU NUNCA

CÓMO LLEGAR A LA NAVE

"Y CUAAANDO...????, al extranjero"

2008-05-20T08:00:00.000-07:00

Pues sí, tras casi 2 años de espera, "Y cuaaando...???" (o como allí será conocido "At at the moment wheeen....???", que no me acostumbro ni de coña), se proyectará en la la Biennal Internacional de Jóvenes creadores de Bari (Puglia). Este lunes dimos una rueda de prensa (a la que no fue ni el gato, pero aun asi me atavié con mi camiseta de "You nunca") y en los siguientes enlaces está toda la información que dimos para diversos medios. Sé que, visiblemente, pocos asistís ultimamente a este fotolog, pero para los interesados, allá va.Un saludo y hasta mi vuelta.

http://www.elfarodemurcia.info/noticia.asp?ref=101751

http://www.laverdad.es/alicante/20080519/mas-actualidad/cultura/once-jovenes-artistas-murcia-200805191316.html

http://www.europapress.es/murcia/noticia-total-11-jovenes-representaran-murcia-xiii-bienal-jovenes-artistas-europa-mediterraneo-20080519133909.html

http://www.totana.com/cgi-bin/noticia-ayto.asp?cat=8026&ver=t

http://actualidad.terra.es/common/imprimir/portada.cfm?id=AV22483525

http://es.noticias.yahoo.com/ep/20080519/tlc-un-total-de-11-jvenes-representarn-a-15af4f1.html

http://www.diariosigloxxi.com/texto-ep/mostrar/20080519134000

http://www.teleprensa.net/murcia-noticia-129800-Once-murcianos-representan-al-municipio-en-la-Bienal-de-J26oacute3Bvenes-Artistas-de-Europa-y-el-Mediterr26aacute3Bneo-que-se-celebra-en-Italia.html

http://www.laregioninternacional.com/noticia/4876/Murcia/participa/